Billboard Bolivia Noviembre 2021

NATTI 

NATASHA 

LOLA ÍNDIGO 

KAROL G 

DURAN DURAN 

ABRAHAM 

MATEO 

LIVES 

Blade 

Orgasmo 

Gary Suárez 

Daddy Yankee 

EL PADRINO 

ISSN 2344-9276 · Año 1 · Nº 3· Noviembre 2021

DATOS DE LA SEMANA 20.11.2021 

Summer Time: Walker llega al N°1 

S 

ummer walker obtiene tanto 

su primer N° 1 en el Billboard 

200 como su canción más alta 

en el Billboard Hot 100. En el 

primero, el segundo álbum de 

estudio de la nativa de Atlanta de 25 años, Still 

Over It, llega con 166.000 equivalentes a álbumes 

equivalentes en los Estados Unidos durante 

la semana que finalizó el 11 de noviembre, según 

MRC Data. Es el primer conjunto de R&B de 

una mujer que encabeza el Billboard 200 desde 

que A Seat at the Table de Solange encabezó el 

chart el 22 de octubre de 2016. 

Respecto a Still Over It, sus unidades de 

streaming-álbumes equivalentes representaron 

153.000 del total (lo que equivale a 201.1 millones 

de transmisiones a pedido de las pistas del 

álbum, un récord para un R&B establecido por 

una mujer), mientras que las ventas de álbumes 

representan 12.000 y la pistas-unidades de álbumes 

equivalentes constituyen los 1.000 restantes. 

El álbum sigue al EP 2020 de Walker, Life on 

Earth (llegó al N° 8), y a su álbum debut de estudio 

de 2019, Over It (No. 2). Walker también 

suma 18 canciones en el Hot 100, todas de Still 

Over It, y empata a Taylor Swift (el 7 de septiembre 

de 2019, Lover entró en la cima del Billboard 

200) a la mujer artista con más canciones en el 

chart en simultáneo en los 63 años de historia de 

la lista. “No Love”, con SZA, lidera en el N° 13, 

debutando como el éxito más alto de Walker y superando 

su N° 16 en “Playing Games” en 2019. 

Walker rompe su propio récord de la mayor 

cantidad de top 10 simultáneos en Hot R&B 

Songs por una mujer, ya que siete de las pistas del 

nuevo álbum aparecen en el nivel, lideradas por 

“No Love” en el N°2. 

Anteriormente había tenido hasta seis top 10 juntos 

(19 de octubre de 2019), al mismo tiempo que el 

debut en las listas de Over It .—KEITH CAULFIELD 

BILLBOARD.BO 

3

H 

HOT 100 

DATOS DE LA SEMANA DEL 20.11.2021 

27 

RYAN HURD WITH 

MAREN MORRIS 

“Chasing After You” 

2 WKS. 

AGO 

LAST 

WEEK 

THIS 

WEEK 

24 22 21 

23 21 

22 

11 15 23 

- 10 

24 

37 25 25 

43 29 26 

D A T A F O R W E E K O F 10.09.2021 

TITLE CERTIFICATION 

PRODUCER (SONGWRITER) 

IF I DIDN’T LOVE YOU 

M.KNOX (J.MORGAN, 

T.KENNEDY, K.M.ALLISON, L.VAUGHAN) 

TAKE MY BREATH 

MAX MARTIN, O.T.HOLTER, THE WEEKND 

(A.TESFAYE, A.BALSHE, MAX MARTIN, O.T.HOLTER) 

Jason Aldean & Carrie Underwood 

MACON/CAPITOL NASHVILLE/ 

BROKEN BOW 

15 10 

The Weeknd 

6 8 

XO/REPUBLIC 

FAIR TRADE Drake Feat. Travis Scott 

OZ, J.A.SWEET, PATRON, TRAVIS SCOTT, WONDAGURL (A.GRAHAM, TRAVIS SCOTT, O.YILDRIM, J.A.SWEET, 

E.N.OSHUNRINDE, R.S.ANTOINE, C.DAY WILSON, BABYFACE, T.HALM, V.J.L.WADE, D.EMILE II, B.L.BANKS, M.O.GORDON, K.F.MOSOV) 

OVO SOUND/ 

REPUBLIC 

3 4 

THATS WHAT I WANT Lil Nas X 

10 2 

COLUMBIA 

O.FEDI, B.SLATKIN, R.B.TEDDER, KBEAZY 

(M.L.HILL, O.FEDI, B.SLATKTIN, R.B.TEDDER, K.C.BACH) 

TRAITOR Olivia Rodrigo 

D.NIGRO (O.RODRIGO, D.L.NIGRO) 

GEFFEN/INTERSCOPE 

COLD BEER CALLING MY NAME Jameson Rodgers Feat. Luke Combs 

C.FARREN, J.D.MITCHELL (J.RODGERS, 

H.PHELPS, BRETT TYLER, A.VANDERHEYM) 

Artist 

IMPRINT/PROMOTION LABEL 

RIVER HOUSE/ 

COLUMBIA NASHVILLE 

PEAK 

POS. 

WKS. ON 

CHART 

9 19 

26 13 

LATTO FOTO: MARCELO CANTU HURD: NICK \ ADELE FLETCHER. FOTO: DRAKE: SIMON COURTESY EMMETT OF REPUBLIC \ RECORDS. 

CARRIE UNDERWOOD FOTO: FACEBOOK \ BRUNO MARS FOTO: GENTILEZA WARNER 

he 34-year-old 

alamazoo, Mich., native’s 

rst Hot 100 entry also 

olds its No. 4 high on the 

ot Country Songs chart. 

ow did “Chasing After You” 

ome together? 

YAN HURD It’s an older song 

hat was on hold for other artists. 

n Nashville, everybody knew the 

ong from it being played at writrs’ 

rounds. The fact that it fell 

o me and [spouse] Maren, we 

till can’t believe it. I’m proud of 

ongwriters] Brinley Addington 

nd Jerry Flowers — I’d never 

eard anything in Nashville like it 

efore. It has that guitar part that 

ollows the vocal melody, and it 

akes the entire song. 

4 

DRAKE 

FEAT. FUTURE AND 

YOUNG THUG 

“Way 2 Sexy” 

he song becomes 

rake’s recordxtending 

and miletone 

40th No. 1 on the 

ainstream R&B/Hipop 

Airplay chart. He 

ow has twice as many 

aders as runner-up 

il Wayne. 

2 WKS. 

AGO 

How has writing songs 

for others shaped your 

own solo career? 

I put my first music out as an 

artist in 2017. I had to learn so 

much between then and now. 

Going from being a staff writer 

in Nashville and having a couple 

of hits under my belt, you think 

that’ll translate into either people 

giving a shit about your career 

or into actually being a good 

artist. The fact is, songwriting and 

being a recording artist have very 

little to do with each other. 

LAST 

WEEK 

THIS 

WEEK 

17 14 11 

12 12 12 

13 9 

13 

16 17 14 

Tell me the story behind 

your debut album title, 

Pelago [out Oct. 15]. 

I wrote “Coast” with Aaron Eshuis, 

and it was a hard song to get 

right. We needed a placeholder 

word that rhymed with Chicago. 

We said “pelago,” not knowing 

anything. Then we realized this 

is the exact word we needed. It 

means open sea and overwhelming 

passion [in Latin], and those 

two themes run through the 

entire album. It just clicked. 

- 71 37 STM LEOR, HAZE, CHEESE 

NEVER BROKE 37 2 

(K.D.GAULDEN, L.SHEVAH, E.HAYES, J.GOLDBERG) AGAIN/ATLANTIC 

Lo sabía. Soy joven y no conocía “Genius of Love” de Tom Tom Club. Solo sabía 

que era una mezcla de TOO trap y EASY pop y que traería una nueva Gunna audiencia & Future a mi carrera. 

NEW 38 WHEEZY, S.MOMBERGER (S.G.KITCHENS, 

GUNNA/YOUNG 38 1 

Tomó meses obtener la N.D.WILBURN, autorización W.T.GLASS, antes S.MOMBERGER) de que pudiéramos STONER hablar LIFE/300 sobre un 

—JESSICA NICHOLSON lanzamiento, pero me gusta mantenerme artístico y preocuparme por mi trabajo. 

No voy LEAVE BEFORE YOU LOVE ME Marshmello X Jonas Brothers 

32 a contenerme 26 39 musicalmente porque algo en el lado comercial podría 

MARSHMELLO, ALESSO, HEAVY MELLOW, N.GALE (MARSHMELLO, P.J.PLESTED, N.J.GALE, 

JOYTIME COLLECTIVE/ 19 no 19 

funcionar. 

R.P.B.BOARDMAN, P.BOWMAN, W.E.VAUGHAN, A.R.R.LINDBLAD, E.ROMANO, C.ARNOLD, G.MARROW, D.MARTIN) 

REPUBLIC 

TITLE CERTIFICATION 

Artist ¿Qué significa NEW para 40 TNTXD, ti tener DMAC, EINER “Gran BANKZ, Energía”? 

CHEESE (K.D.GAULDEN, 

NEVER BROKE 40 1 

PRODUCER (SONGWRITER) 

IMPRINT/PROMOTION LABEL 

T.HORTON, D.H.MCDOWELL, E.BANKZ, J.GOLDBERG) 

AGAIN/ATLANTIC 

Tomé esta cita masculina y moderna de “big dick energy” de Twitter y la convertí 

ESSENCE Wizkid Feat. Justin Bieber & Tems 

PEACHES 2 Justin Bieber Feat. Daniel Caesar & Giveon 

P2J, LEGENDURY BEATZ (A.I.BALOGUN, 

11 13en algo 40 en el 36 que 41 todos 

STARBOY/RCA 

HARV, los SHNDO géneros (J.D.BIEBER, pueden A.WOTMAN, G.D.EVANS, tener B.HARVEY, “gran energía” y llevarlo RAYMOND más 1 28 

R.ISONG, O.E.ONIKO, U.E.ONIKO, T.OPENIYI, J.D.BIEBER) 

allá de [algo] sexual. Quería 

L.M.MARTINEZ 

que 

JR., 

fuera 

L.B.BELL, F.KING, 

empoderador, 

M.S.LEON, K.YAZDANI, 

es 

A.SIMMONS) 

un aura que 

BRAUN/DEF 

llevas 

JAM 

y una 

SAVE YOUR TEARS 3 The Weeknd & Ariana Grande confianza. Es solo una 

FAMILY 

vibra general 

TIES 

y cuando Baby entras Keem en & la Kendrick habitación, Lamar tienes una 

MAX MARTIN, O.T.HOLTER, THE WEEKND (A.TESFAYE, 

1 42 25 

38 42 

A.BALSHE, J.QUENNEVILLE, MAX MARTIN, O.T.HOLTER, A.GRANDE) 

XO/REPUBLIC “gran energía” y nadie BABY puede KEEM, CARDO decirte ON THE BEAT, OUTTATOWN, lo contrario. ROSELILAH, DEATS, J.L.HARRIS, Es edificante. FRANKIE BASH —RANIA BABY KEEM/ ANIFTOS 18 5 

(H.CARTER JR., K.L.DUCKWORTH, R.LATOUR, T.DEKKER, R.L.BACHA, D.PATRZEK, J.L.HARRIS, C.FRANKEN) PGLANG/COLUMBIA 

MONTERO (CALL ME BY YOUR NAME) 3 Lil Nas X 

1 27 

COLUMBIA 

TAKE A DAYTRIP, O.FEDI, R.LENZO 

(M.L.HILL, D.M.A.BAPTISTE, D.BIRAL, O.FEDI, R.LENZO) 

SHIVERS Ed Sheeran 

14 3 

ATLANTIC 

E.SHEERAN, STEVE MAC, FRED 

(E.C.SHEERAN, J.MCDAID, STEVE MAC, K.LAVELLE) 

15 16 15 HEAT WAVES Glass Animals 

21 18 

16 

D.BAYLEY (D.BAYLEY) 

WOLF TONE/POLYDOR/REPUBLIC 

NEED TO KNOW Doja Cat 

DR. LUKE (A.Z.DLAMINI, L.S.GOTTWALD) 

KEMOSABE/RCA 

10 13 17 GIRLS WANT GIRLS Drake Feat. Lil Baby 

18 

19 18 

30 20 19 

50 35 20 

OZ, AMBEZZA (A.GRAHAM, D.A.JONES, O.YILDRIM, M.D.LIYEW) 

OVO SOUND/ 

REPUBLIC 

YOU RIGHT Doja Cat & The Weeknd 

DR. LUKE (A.Z.DLAMINI, L.S.GOTTWALD, A.TESFAYE) 

KEMOSABE/RCA 

BEGGIN’ Maneskin 

L.FABBRI (P.FARINA, B.GAUDIO) 

SONY MUSIC LATIN/ARISTA 

WOCKESHA Moneybagg Yo 

YC, REAL RED, J.ROCKAMORE (D.D.WHITE, JR., E.B.JORDAN, 

M.DEBARGE, C.PEARSON, J.D.NELSON, J.ROCKAMORE) 

CMG/N-LESS/ 

INTERSCOPE 

PEAK 

POS. 

WKS. ON 

CHART 

15 37 

14 16 

2 4 

11 14 

19 14 

20 23 

39 32 27 

NEW 28 

34 27 

29 

20 23 30 

CHASING AFTER YOU Ryan Hurd With Maren Morris 

A.ESHUIS, T.REIMER (B.ADDINGTON, J.FLOWERS) 

ARISTA NASHVILLE 

BAD MORNING YoungBoy Never Broke Again 

DUBBA-AA, M.LAURY, THE LOTTERY 

(K.MATTOX, A.LOCKHART, M.LAURY, W.G.MOSLEY JR.) 

27 22 

28 1 

NEVER BROKE 

AGAIN/ATLANTIC 

La segunda 

entrada Hot 100 

CARBON FIBER/SONY de MUSIC la nativa 

LATIN/THE ORCHARD 

de Atlanta de 

22 años también 

alcanza GEFFEN/ un nuevo 

INTERSCOPE 

N° 9 en la lista de 

Rap Airplay. 

PEPAS Farruko 

IAMCHINO, V.CARDENAS, SHARO TOWERS, K4G, GHETTO (C.E.REYES-ROSADO, F.J.MARTINEZ, M.G.PEREZ, 

K.QUIROZ, A.BAUZA, A.R.QUEZADA FULGENCIO, V.A.CARDENAS OSPINA, J.M.GOMEZ, J.C.GARCIA) 

DEJA VU Olivia Rodrigo 

D.NIGRO (D.L.NIGRO, O.RODRIGO, 

T.SWIFT, J.M.ANTONOFF, A.E.CLARK) 

36 28 31 HAPPIER THAN EVER Billie Eilish 

FINNEAS (B.E.O’CONNELL, F.B.O’CONNELL) 

DARKROOM/INTERSCOPE 

26 10 

3 26 

11 9 

NEW 32 YOUR HEART Joyner Lucas & J. Cole 32 

PALAZE, LC BEATS, HAGAN (G.M.LUCAS, ¿Cómo JR., J.COLE) surgió “Big TWENTY Energy”? NINE 

1 

31 33 33 

Volé a Los Ángeles durante un mes 

LEAVE THE DOOR OPEN 2 Silk Sonic (Bruno Mars & Anderson .Paak) 

BRUNO MARS, D’MILE (BRUNO MARS, 

y cambié mi espacio para tener una 1 30 

AFTERMATH/ATLANTIC 

B.ANDERSON, D.EMILE II, C.B.BROWN) 

nueva inspiración. Fui al estudio un día, 

26 31 34 

HURRICANE 

y mis representantes Kanye de A&R West dijeron: 

K.WEST, BOOGZDABEAST, M.G.DEAN, DJ KHALIL, RONNY “Tenemos J, OJIVOLTA (K.O.WEST, este A.TESFAYE, ritmo, D.A.JONES, J.GWIN, pero G.O.O.D./ no creo 6 5 

K.ADBDUL-RAHMAN, R.O.SPENCE JR., M.G.DEAN, R.CUBINA, M.WILLIAMS, M.MBOGO, D.SEEFF, S.BARSH, J.MEASE) DEF JAM 

que te vaya a gustar”. Lo tocaron y 

me encantó. Definitivamente A-O-K me sacó de mi zona de confort. Lo Tai probé Verdes tres días 

46 39 35 A.FRIEDMAN (T.J.COLON, 

35 13 

diferentes antes de tenerlo ARISTA 

A.FRIEDMAN, en el M.T.KONIJNENBURG, bolsillo. Solo B.W.BRUNDAGE) tienes que ser paciente. La música no 

siempre es una ecuación matemática mecánica, donde uno más uno es igual a dos. 

Es cuestión BUTTER BTS 

14 de 24 no 36 darse por vencido, con un poco de suerte. 

1 19 

R.GRIMALDI, S.KIRK, R.PERRY (J.ANDREWS, 

R.GRIMALDI, S.KIRK, RM, A.BILOWITZ, S.GARCIA, R.PERRY) 

HYBE/BIGHIT 

MUSIC/COLUMBIA 

¿Sabías de inmediato que ON sería MY un SIDE éxito? YoungBoy Never Broke Again 

62 54 43 

49 45 44 

38 

34 45 

NO WHERE YoungBoy Never Broke Again 

MEMORY I DON’T MESS WITH Lee Brice 

B.GLOVER, K.JACOBS, L.BRICE (L.BRICE, B.MONTANA, B.DAVIS) 

CURB 

43 10 

LATE AT NIGHT Roddy Ricch 

20 17 

ATLANTIC 

MUSTARD, GYLTTRYP (R.W.MOORE, JR., 

D.I.MCFARLANE, S.R.KHAN ZAMAN KHAN) 

THINGS A MAN OUGHTA KNOW Lainey Wilson 

J.JOYCE (L.WILSON, J.D.SINGLETON, J.NIX) 

BROKEN BOW 

COLD HEART (PNAU REMIX) Elton John & Dua Lipa 

98 74 46 SAL 

64 44 

47 

63 79 48 

56 53 49 

- 80 50 

N.LITTLEMORE, P.MAYES, S.LITTLEMORE, C.THOMAS, G.DUDGEON 

(E.JOHN, B.J.P.TAUPIN, P.MAYES, N.LITTLEMORE, S.LITTLEMORE) 

MERCURY/EMI/ 

INTERSCOPE 

MEET ME AT OUR SPOT THE ANXIETY: WILLOW & Tyler Cole 

W.SMITH, T.COLE (T.COLE, W.SMITH) 

MSFTSMUSIC/ROC NATION 

LIFE SUPPORT YoungBoy Never Broke Again 

SMASH DAVID, SMPLGTWY, RAVIS, STUNNER SAMPLES 

NEVER BROKE 

(K.D.GAULDEN, S.D.JIMENEZ, M.SAMUELS JR., T.TATAD, M.MORA, J.GOLDBERG) AGAIN/ATLANTIC 

I WAS ON A BOAT THAT DAY Old Dominion 

S.MCANALLY, OLD DOMINION (M.RAMSEY, T. ROSEN, 

W.SELLERS, G.SPRUNG, B.F.TURSI, S.MCANALLY, J.OSBORNE) 

ARISTA 

NASHVILLE 

LOVE NWANTITI (AH AH AH) CKay 

CKAY, TEMPOE (C.EKWEANI, A.M.CHIGOZIE) 

CHOCOLATE CITY/ATLANTIC 

32 20 

46 4 

44 3 

48 3 

49 13 

50 2 

SALES, AIRPLAY & 

THE WEEK’S MOST POPULAR CURRENT SONGS ACROSS ALL GENRES, RANKED BY RADIO AIRPLAY AUDIENCE IMPRESSIONS AS MEASURED BY MRC DATA, SALES DATA AS COMPILED BY MRC DATA AND STREAMING ACTIVITY DATA BY ONLINE MUSIC SOURCES TRACKED BY MRC DATA. SONGS ARE DEFINED AS CURRENT 

STREAMING DATA 

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COMPILED BY 

4 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021 

2 GO TO BILLBOARD.COM FOR COMPLETE CHART DATA

R 

REDES 

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RELACIONES INSTITUCIONALES 

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Twiiti 

IMPRESIÓN 

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COLABORA EN ESTA EDICIÓN 

Vitorio Lema 

PRESIDENTE 

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CEO 

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Santiago Torres 

CONTENIDOS 

Santiago Torres, Gustavo Serna, Julián 

Mastrángelo 

y Josefina Armendáriz 

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Dardo Rocha 2188 (1640) 

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INTERNATIONAL EDITOR 

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CHAIRMAN & CEO 

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COLABORADORES 

DISEÑO 

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FOTOGRAFÍA 

Tute Delacroix 

VIDEO 

Popi Graña 

COLABORAN EN ESTA EDICIÓN 

Alfredo Rosso, Flor Mauro y Benjamín 

García. 

DISTRIBUCIÓN 

Brihet e Hijos S.A. / Agustín Magaldi 

1448 (C1286AFH) 

011 4301 3601 (líneas rotativas) 

DISTRIBUCIÓN EN EL INTERIOR 

D.G. P. (Distribuidora General de 

Publicaciones S.A.) 

Alvarado 2118 / C.A.B.A. 

Billboard Argentina es una licencia de 

ABC1 Sociedad de Editores 

Dardo Rocha 2188, Martínez. Tel: 0810 

444 ABC1 (2221) 

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autorización del director. El material periodístico es de absoluta responsabilidad de sus autores. 

6 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021

Contenidos 

CHARTS 

3 Summer Time: Walker llega al N°1 

en el Billboard Hot 100. 

INTRO 

13 Latin Grammys 2021: Camilo brilló 

en la noche latina. 

ENTREVISTAS Y PERFILES 

20 Damián Amato 

22 Fernando Moya 

24 Agustín Dusserre 

28 Ally Brooke 

32 Daddy Yankee 

41 Karol G 

42 Natti Natasha 

48 Lola Índigo 

60 Abraham Mateo 

62 Danny Ocean 

64 T1419 

66 Alejandro Santamaría, 

Ovy On The Drums y Adso 

68 Marama 

70 Fuego 

72 Duran Duran 

74 Natalie Pérez-Guaynaa 

Lives 

54 Young Blade 

56 Orgasmo 

58 Gary Suárez 

74 Álbumes del mes 

76 Bodas de Oro – 50 Años de 

Álbumes Clave: Led Zeppelin IV, Led 

Zeppelin 

Especiales 

13 Gran presentación de Billboard en 

Santa Cruz de la Sierra 

- 

EN LA TAPA 

Daddy Yankee fotografiado por 

Jai Lennard 

- 

FOTO: SAMI DRASIN 


Intro 

Nicki Nicole, Nathy Peluso, Cristina Aguilera y Becky G 

Latin Grammys 2021 

Camilo brilló en 

la noche latina 

Rubén Blades, Nathy Peluso, Vicentico, Andrés Calamaro y Tinto Tango fueron 

reconocidos en la 22° edición de los premios. 

EL SEMÁFORO 

Se multiplican los shows en 

vivo y el Lollapalooza AR 

2022 fijó fecha de realización. 

FOTO: GENTILEZA GETTY IMAGES 

Un colmado mgm grand garden arena de 

Las Vegas tuvo como estrellas a Camilo como el más 

ganador en cuatro categorías y a Rubén Blades por el 

premio a “Mejor Álbum del Año”. 

Así, Camilo fue el máximo ganador de los Latin Grammy 

al llevarse cuatro premios en diversos géneros musicales, 

pero no logró imponerse en las categorías generales. El artista 

colombiano también fue protagonista en la categoría mejor 

canción tropical por “Dios así lo quiso’', que coescribió 

para Ricardo Montaner y Juan Luis Guerra, y mejor álbum 

vocal pop por Mis manos. 

Mejor canción de rock, “Ahora 1”, y Mejor álbum de rock, 

El pozo brillante, fueron los premios para Vicentico; Mejor 

canción pop/rock: “Hong Kong”, distinguió a C. Tangana, 

Andrés Calamaro y Jorge Drexler; y el Mejor álbum de música 

alternativa, Calambre, fue para Nathy Peluso. 

Gloria Estefan inauguró la ceremonia con un número 

lleno de color y alegría en el que, acompañada por Anitta, 

Carlinhos Brown, Laércio da Costa, Pedro Capó, Farina, 

Giulia Be y Diego Torres, interpretó un medley de su éxito 

“Abriendo puertas’', “Cuando hay amor’' y el clásico en portugués 

“Magdalenha’'. 

Y entre las actuaciones destacadas estuvo la de Nicki Nicole 

y Nathy Peluso, que dieron muestras del gran momento 

que atraviesan sus carreras al interpretar en vivo “Pa’ Mis 

Muchachas” con Christina Aguilera y Becky G. 

Camilo, por su parte, interpretó “Vida de rico’' y “Kesi’' y 

en un momento bajó del escenario para cantar y bailar por 

el pasillo entre el público, que le regaló una ovación al final. 

Mon Laferte y Gloria Trevi interpretaron durante la ceremonia 

“La mujer’', que estaba nominada a mejor canción pop, 

junto a La Arrolladora Banda El Limón de René Camacho. 

Las grandes giras 

internacionales tuvieron que 

pasar de 2021 y se acomodan 

en 2022. 

El rapero Young Dolph, 

de 36 años, murió 17 de 

noviembre en Memphis a 

causa de un tiroteo. 


en SANTA CRUZ DE LA SIERRA 

BILLBOARD.BO 

13

Noche de figuras 

nacionales e internacionales 

Continuando con nuestro objetivo de promover la música, el Hotel Marriot de Santa 

Cruz fue la sede del evento que convocó a artistas, celebridades, promotores y 

empresarios, quienes desfilaron por la alfombra roja. 

POR BILLBOARD CONTENIDOS 

Billboard Bolivia cumplió con su 

propósito de difundir la música nacional 

e internacional a través del show 

de grandes artistas bolivianos entre los 

que se encontraron: Gary Suárez, Lu de La Tower, 

Mila Camila, Matamba, Vannesa Añez, Andrés 

Barba, Las Majas, Alexandré, Midnight Dreamers 

y Jacob, entre otros. Se destacó también la 

oportunidad que tuvieron dos artistas cruceñas 

emergentes como Fer Gómez y Mariana Massiel. 

Como representación internacional estuvo presente 

Dj Kane, integrante de Los Kumbia Kings, 

que hizo bailar a todos los asistentes con sus éxitos 

y clásicos de la música latina. 

La sorpresa, y como cierre del evento, entre los 

invitados estuvo el artista argentino L-Gante, que 

se subió al escenario donde cantó varios de sus 

éxitos e hizo al público cantar junto a él. 

FOTOS: BILLBOARD BOLIVIA 


BILLBOARD.BO 

15

I 

INDUSTRIA 

Fitness a todo vapor 

¡Hacé spinning con Beyoncé! ¡Sentadillas con Drake! Un año y medio después del acuerdo editorial de 

Peloton que recalentó el negocio, las licencias de música de fitness-tech se están acelerando 

POR TATIANA CIRISANO 

don’t know about 

you, but I Feel Good,”, 

I canta Pitbull mientras 

pedalea una bicicleta 

estática Echelon en el video musical 

de su pista EDM con saxofón,” I Feel 

Good”. No es solo un respaldo de 

producto. El video es parte de una 

asociación anunciada en junio, en la 

que Pitbull invirtió en la compañía de 

equipos de entrenamiento en casa. 

Ahora presta su nombre a un canal 

en la aplicación, una bicicleta 

de marca compartida y la canción, 

escrita específicamente para Echelon, 

que alcanzó el puesto 15 en la 

lista Hot Dance / Electronic Songs 

de Billboard a principios de octubre 

y le dio nombre a su gira de verano 

estadounidense. 

No es el único artista que ha descubierto 

el gusto por el fitness. Durante 

el año pasado, la compañía de 

tecnología del ejercicio Peloton se ha 

asociado con Beyoncé y Verzuz en 

clases que incorporan su música; La 

empresa matriz de SoulCycle, Equinox, 

ha contratado a Lorde y los Jonas 

Brothers para promover sus canciones 

con entrenamientos virtuales 

en la plataforma Equinox +, que 

permite a los usuarios guardar pistas 

en Spotify; y Apple Fitness + ha atraído 

a estrellas como Shawn Mendes y 

Dolly Parton para narrar su serie de 

audio guiada Time To Walk. 

“Una vez a la semana, recibo una 

llamada con otra empresa de fitness”, 

dice la abogada musical Elizabeth 

Moody, que trabaja en la concesión 

de licencias para clientes como la 

empresa de máquinas de remo en 

casa Hydrow y la startup de boxeo Liteboxer. 

“Necesitan hacer todo lo posible 

para competir porque eso es lo 

que esperan los consumidores ahora. 

Y esa es una buena noticia para la industria 

de la música “. 

Me costó un poco llegar allí. Los 

gimnasios que ofrecen clases presenciales 

no necesitan más que licencias 

generales de ASCAP y otras organizaciones 

de derechos de interpretación, 

pero ofrecer música con video 

en línea casi siempre requiere una 

licencia de sincronización, al igual 

que el uso de música en una película 

o programa de televisión. lo hace. En 

2019, cuando la Asociación Nacional 

de Editores de Música presentó lo 

que se convertiría en una demanda 

por infracción de derechos de autor 

de 370 millones de dólares contra 

Peloton, “asustó a mucha gente” en 

el ámbito del fitness, dice el director 

ejecutivo de 7digital, Paul Langworthy, 

cuya empresa gestiona los derechos 

musicales de los clientes. como 

el Bootcamp de Barry. Sin embargo, 

después de que las dos partes se establecieran 

en febrero de 2020, “fue 

absolutamente un factor determinante 

para que la música con licencia 

comercial se pusiera en forma”. 

El acuerdo llevó a Peloton a firmar 

acuerdos de licencia tanto con editoriales 

como con sellos discográficos. 

Eso ocurrió justo cuando la pandemia 

del coronavirus impulsó al negocio 

de fitness de US$ 100 mil millones 

a volverse virtual, y las aplicaciones 

conectadas que encontraron una audiencia 

parecen mantenerlo a medida 

que los gimnasios reabren. El negocio 

de las aplicaciones de ejercicio tuvo 

un valor de US$ 4.4 mil millones el 

año pasado, un aumento del 53% con 

respecto a 2019, según Grand View 

Research, que espera que suba a US$ 

15.5 mil millones para 2028. 

Eso podría ser un gran impulso 

para el negocio de la música, porque 

las empresas de aplicaciones de fitness 

ahora gastan entre el 20% y el 

50% de sus ingresos anuales en licencias, 

según varias fuentes. Un informe 

de Macquarie Research de febrero 

estimó que esas empresas podrían 

eventualmente gastar 300 millones de 

dólares al año en música. 

Peloton, y muchas otras empresas, 

venden hardware y un servicio 

de suscripción que ofrece clases de 

video para las que necesitan licenciar 

música. Muchos de ellos pagan a los 

titulares de derechos al reservar un 

porcentaje de los ingresos totales 

para la música y luego dividirlo por 

el uso agregado de la forma en que 

lo hacen Spotify y otros servicios 

de transmisión. (Los patrocinios y 

los acuerdos de contenido de marca 

requieren el permiso de los artistas). 

Sin embargo, a diferencia de los servicios 

de transmisión, estos ingresos 

en la mayoría de los casos se dividen 

de manera uniforme entre los titulares 

de los derechos de grabación y 

publicación, al igual que ocurre con 

otros usos de video. 

ILUSTRACIÓN: MIKE TOFANELLI 


The Hot 100’s 

GREATEST OF ALL TIME 

1958-2021 

The Weeknd fotografiado 

por Brian Ziff el 28 

de octubre en Hubble 

Studios en Los Ángeles. 

The Weeknd photographed 

by Brian Ziff 18 on BILLBOARD Oct. 28 at BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021 

Hubble 56 Studios in Los Angeles. 

BILLBOARD.COM NOVEMBER 20, 2021

FOTO: BRIAN ZIFF PARA BILLBOARD 

TB 

linding HE WEEKND’S l ights” “BLINDING por the LIGHTS” weeknd shines brilla brightest entre los among casi 

30.000 the nearly títulos 30,000 que han titles aparecido to ever appear en el Billboard on the Billboard Hot 100 durante 

Hot 100 

los 63 

over 

años 

the 

de 

chart’s 

historia 

63-year 

del chart. 

history. 

La canción, lanzada 

The song, released in November 2019, is the newly 

en noviembre de 2019, se ha coronado como la N° 1 en el resumen 

de las 100 mejores de todos los tiempos de Billboard, 

crowned No. 1 on Billboard’s Greatest of All Time Hot 100 

recap, having logged a record-shattering run on the chart. 

After 

habiendo 

topping 

registrado 

the Hot 

una 

100 

carrera 

for four 

récord 

weeks 

en 

in 

la 

April 

lista. 

and May 2020, it went on 

to set Después new highs de encabezar for the most el Hot weeks 100 spent durante in the cuatro top semanas five (43), en top abril 10 (57), y mayo 

top de 2020, 40 (86) pasó and a on establecer the chart nuevos overall máximos (90). durante la mayor cantidad de 

semanas The single manteniéndose succeeds Chubby entre Checker’s los cinco primeros classic “The (43), Twist” los 10 as primeros the (57), 

chart’s los 40 primeros No. 1 hit, with (86) y the en latter tabla having en general. topped (90). the Hot 100 for one week in 

September El sencillo 1960 sucede and again al clásico for two de Chubby in January Checker, 1962. “The Twist”, como el éxito 

número “Blinding uno Lights” de la lista, one y este of three último songs superó to peak el Hot in the 1002020s durante on una the semana 

Greatest en septiembre of All Time de 1960 Hot y 100, nuevamente with Dua durante Lipa’s “Levitating” dos en enero and de 1962. 24kGoldn’s 

“Mood” “Blinding (featuring Lights” iann es una dior) de at las Nos. tres 32 canciones and 49, respectively. que alcanzaron su punto 

máximo Meanwhile, en la década thanks to de hits 2020 in en 2017-19 el Greatest (at Nos. of 19, All 75 Time and Hot 97), 100, Post con Malone “Levitating” 

the de Bee Dua Gees, Lipa Boyz y “Mood” II Men de and 24kGoldn Paul McCartney/Wings (con iann dior) en as the los only números 

joins 

acts with as many as three entries each on the chart. 

—GARY TRUST 

32 y 49, respectivamente. —GARY TRUST 

POSITION Song Artist PEAK YEAR 

1 Blinding Lights The Weeknd 2020 

2 The Twist Chubby Checker 1960 

3 Smooth Santana feat. Rob Thomas 1999 

4 Mack The Knife Bobby Darin 1959 

5 Uptown Funk! Mark Ronson feat. Bruno Mars 2015 

6 How Do I Live LeAnn Rimes 1997 

7 Party Rock Anthem LMFAO feat. Lauren Bennett & GoonRock 2011 

8 I Gotta Feeling The Black Eyed Peas 2009 

9 Macarena (Bayside Boys Mix) Los Del Rio 1996 

10 Shape Of You Ed Sheeran 2017 

11 Physical Olivia Newton-John 1981 

12 You Light Up My Life Debby Boone 1977 

13 Hey Jude The Beatles 1968 

14 Closer The Chainsmokers feat. Halsey 2016 

15 We Belong Together Mariah Carey 2005 

16 Un-Break My Heart Toni Braxton 1996 

17 Yeah! Usher feat. Lil Jon & Ludacris 2004 

18 Bette Davis Eyes Kim Carnes 1981 

19 Circles Post Malone 2019 

20 Endless Love Diana Ross & Lionel Richie 1981 

21 Tonight’s The Night (Gonna Be Alright) Rod Stewart 1976 

22 You Were Meant For Me/Foolish Games Jewel 1997 

23 (Everything I Do) I Do It For You Bryan Adams 1991 

24 I’ll Make Love To You Boyz II Men 1994 

25 The Theme From “A Summer Place” Percy Faith And His Orchestra 1960 

26 Le Freak Chic 1978 

27 How Deep Is Your Love Bee Gees 1977 

28 Eye Of The Tiger Survivor 1982 

29 We Found Love Rihanna feat. Calvin Harris 2011 

30 Girls Like You Maroon 5 feat. Cardi B 2018 

31 Low Flo Rida feat. T-Pain 2008 

32 Levitating Dua Lipa 2021 

33 I Just Want To Be Your Everything Andy Gibb 1977 

34 Too Close Next 1998 

35 Every Breath You Take The Police 1983 

36 Somebody That I Used To Know Gotye feat. Kimbra 2012 

37 Despacito Luis Fonsi & Daddy Yankee feat. Justin Bieber 2017 

38 Flashdance...What A Feeling Irene Cara 1983 

39 Rolling In The Deep Adele 2011 

40 Tossin’ And Turnin’ Bobby Lewis 1961 

41 Old Town Road Lil Nas X feat. Billy Ray Cyrus 2019 

POSITION Song Artist PEAK YEAR 

42 The Battle Of New Orleans Johnny Horton 1959 

43 One Sweet Day Mariah Carey & Boyz II Men 1995 

44 Truly Madly Deeply Savage Garden 1998 

45 Silly Love Songs Wings 1976 

46 Let’s Get It On Marvin Gaye 1973 

47 Night Fever Bee Gees 1978 

48 Another One Bites The Dust Queen 1980 

49 Mood 24kGoldn feat. iann dior 2020 

50 Say Say Say Paul McCartney & Michael Jackson 1983 

51 How You Remind Me Nickelback 2001 

52 Tie A Yellow Ribbon Round The Ole Oak Tree Dawn feat. Tony Orlando 1973 

53 It’s All In The Game Tommy Edwards 1958 

54 I Want To Hold Your Hand The Beatles 1964 

55 Shadow Dancing Andy Gibb 1978 

56 Call Me Maybe Carly Rae Jepsen 2012 

57 Blurred Lines Robin Thicke feat. T.I. + Pharrell 2013 

58 Candle In The Wind 1997/Something About The Way You Look Tonight Elton John 1997 

59 No One Alicia Keys 2007 

60 I Will Always Love You Whitney Houston 1992 

61 End Of The Road Boyz II Men 1992 

62 Perfect Ed Sheeran 2017 

63 Boom Boom Pow The Black Eyed Peas 2009 

64 Call Me Blondie 1980 

65 Let Me Love You Mario 2005 

66 Stayin’ Alive Bee Gees 1978 

67 Lady Kenny Rogers 1980 

68 TiK ToK Ke$ha 2010 

69 I’m A Believer The Monkees 1966 

70 Gold Digger Kanye West feat. Jamie Foxx 2005 

71 Apologize Timbaland feat. OneRepublic 2007 

72 The Sign Ace Of Base 1994 

73 Centerfold The J. Geils Band 1982 

74 All About That Bass Meghan Trainor 2014 

75 Sunflower (Spider-Man: Into The Spider-Verse) Post Malone & Swae Lee 2019 

76 (Just Like) Starting Over John Lennon 1980 

77 Royals Lorde 2013 

78 The Boy Is Mine Brandy & Monica 1998 

79 Because I Love You (The Postman Song) Stevie B 1990 

80 I Love Rock ’N Roll Joan Jett & The Blackhearts 1982 

81 Aquarius/Let The Sunshine In The 5th Dimension 1969 

82 Whoomp! (There It Is) Tag Team 1993 

83 God’s Plan Drake 2018 

84 Moves Like Jagger Maroon 5 feat. Christina Aguilera 2011 

85 Ebony And Ivory Paul McCartney & Stevie Wonder 1982 

86 Rush Rush Paula Abdul 1992 

87 That’s What Friends Are For Dionne & Friends 1986 

88 Happy Pharrell Williams 2014 

89 Upside Down Diana Ross 1980 

90 Sugar, Sugar The Archies 1969 

91 Just The Way You Are Bruno Mars 2010 

92 Dilemma Nelly feat. Kelly Rowland 2002 

93 I Heard It Through The Grapevine Marvin Gaye 1968 

94 You’re Still The One Shania Twain 1998 

95 Billie Jean Michael Jackson 1983 

96 Hot Stuff Donna Summer 1979 

97 Rockstar Post Malone feat. 21 Savage 2017 

98 Gangsta’s Paradise Coolio feat. L.V. 1995 

99 Abracadabra The Steve Miller Band 1982 

100 You’re So Vain Carly Simon 1973 

Legend The Greatest of All Time Billboard Hot 100 songs chart is based on actual performance on the weekly Hot 100 from its Aug. 4, 1958, launch through the Nov. 6, 2021-dated chart. Songs are ranked based on an inverse point system, with weeks at No. 1 earning 

the greatest value and weeks at No. 100 earning the least. Due to changes in chart methodology over the years, eras are weighted differently to account for chart turnover rates during various periods. 

NOVEMBER 20, 2021 

BILLBOARD.COM 

BILLBOARD.BO 

19 

5 7

POWER PLAYERS 

DAMIÁN AMATO 

“La música latina llegó para 

quedarse a nivel global” 

El Managing Director de Sony Music Entertainment para Cono Sur destaca el panorama de la 

industria con el auge de las redes sociales y la generosidad que se respira en la escena. 

a ebullición de las 

redes sociales, la pandemia 

y la vorágine de la 

L 

industria de la música 

en la actualidad son algunos de los 

factores que hicieron que la industria 

evolucione. Damián Amato, líder 

de Sony Music Sur, es uno de los 

profesionales con mayor protagonis- 

POR SANTIAGO TORRES 

mo en el diseño de ese juego. Codo 

a codo de los artistas más importantes 

del país y la región, destaca: "Si le 

puse la pasión que tenía que tener, 

voy a estar contento. Si los resultados 

me acompañan, mejor. Uno no 

tiene el control sobre la gente y en 

la industria de hoy cada vez más la 

gente es quien manda". 

¿Qué evaluación hacés de 

este momento? 

Fue muy complicado todo lo que 

vino pasando. Hace un año y medio 

la dinámica cambió. Me parece que 

el futuro va a ser diferente, no creo 

que sea igual a como estábamos antes 

de la pandemia, veremos cómo 

evoluciona. 

¿Es cierto que uno de los 

grandes ganadores dentro 

de todo lo malo fueron las 

discográficas? 

Considero que si hay algo de verdad, 

es que es un gran momento 

para el streaming en sí. Tuvo 

un gran crecimiento y va a crecer 

mucho más. Los productores de 

contenido también crecieron con 

el crecimiento del streaming. La 

industria sí, a pesar de que a comienzos 

de la pandemia el miedo 

era la caída de suscriptores, creo 

que se sostuvo, se incrementó, 

creció el consumo de música 

también y cambió la dinámica. Al 

no poder salir de gira, hubo una 

mayor cantidad de lanzamientos y 

más contenido. La demanda de la 

FOTO: TUTE DELACROIX 


gente con más tiempo en las casas 

por no poder salir con normalidad 

provocó una oferta de música, películas 

y libros. El arte y entretenimiento 

para venta de contenidos 

en streaming se vieron fortalecidos, 

no así los artistas y sus equipos 

en lo que al negocio del Live 

entertainment se refiere y eso fue 

un impacto muy grande. 

¿Notás una nueva generación 

de ejecutivos? 

Que la industria vuelva a tener 

un crecimiento y haya pasado los 

momentos más difíciles - piratería 

y todo lo complicado del formato 

físico - provocó que haya más ejecutivos 

y más cuadros con mucho 

potencial a futuro, sin duda. 

¿Te colgás la medalla de 

que fuiste el último Artists 

and Repertoire (A&R) de la 

última década? 

No, para arrancar, yo no me siento 

un A&R. Me considero un ejecutivo 

de compañía con mucha experiencia 

y buen vínculo con los artistas. A&R 

no soy, nunca lo fui. Lo agradezco 

un montón, pero no me puedo colgar 

esa medalla. A&R es mi jefe, un 

profesional enorme. Yo siento que 

hoy cualquier persona que pueda 

tener un olfato y sentir la música, 

tiene algo de un A&R. Creo que lo 

que pasó acá en la última década es 

que como compañía hemos apostado 

a los talentos y seguimos apostando. 

Hemos firmado a muchísimos artistas 

nuevos, seguimos firmando. Ayer 

firmé a un chico muy joven también. 

Creo que es parte del juego, de lo que 

tenemos que hacer, es mi trabajo. 

¿Creés que hay demasiados 

lanzamientos? 

Hay que partir de que no podemos 

cambiar el mundo. Estratégicamente 

le podemos decir a un artista “esperá 

un poco para sacar tal canción porque 

tenés una canción que todavía 

funciona muy bien”, por ejemplo. 

Pero la dinámica hoy cambió, uno 

no puede ir contra la tendencia porque 

lamentablemente te lleva puesto. 

La tendencia es que el contenido 

vaya saliendo en una dinámica mucho 

más rápida que dos años atrás, 

antes de la pandemia. Es muy difícil 

para todos, para los artistas, para mí, 

desandar ese camino. 

Creo que la pos pandemia - que 

ya estamos empezando a vivir - va a 

ser muy distinta a la pandemia y la 

previa. El camino va a ser otro, esto 

es hacer futurología, pero creo que 

van a convivir más los ciclos. El lanzamiento 

(que un artista saque un 

tema, otro, el disco), el vivo (se iba 

de gira y no tiraba mucho contenido 

porque no tiene tiempo). Mi visión 

es que se viene un modelo híbrido. 

Creo que durante el ciclo del vivo, se 

van a ir lanzando nuevas canciones 

enriqueciendo ese vivo, por ejemplo. 

Todo va a terminar siendo un 

círculo virtuoso desde el punto de 

vista de negocios, tanto para la compañía 

como el artista. Pero con una 

dinámica mucho más rápida a la que 

veníamos antes de la pandemia. 

¿Cómo ves el futuro de la 

electrónica con el regreso 

de las fiestas? 

La electrónica para mí está siempre, 

no siento que haya perdido vigencia. 

Tal vez, nosotros en Argentina 

tuvimos situaciones complicadas 

puntuales que generaron que no 

haya tanto escenario, en determinadas 

fiestas. Pero está presente en el 

mundo, en los festivales. Creo que se 

retrajo el consumo por estas situaciones 

puntuales, pero no creo que 

impida que vuelva. 

¿Creés que perdió lugar 

con el auge de la música 

latina? 

Puede ser, pero ahí pasa a ser algo 

circunstancial. Siento que la música 

latina llegó para quedarse en el 

mundo de la globalización. No es 

que se puso de moda. Creo que está 

teniendo un momento muy importante, 

sí. Tampoco se fue Calvin Harris 

o la electrónica, vas a Las Vegas 

o a Tomorrowland y las entradas 

para las fiestas esta agotadas siempre 

mas allá de su alto valor. Hay que 

saber diferenciar algo que está creciendo 

- la música latina - de algo 

que haya venido a reemplazar otra 

cosa. Va a seguir estando. 

Dicen que la gran diferencia 

de esta generación con 

las anteriores es no solo la 

velocidad para llegar a la 

popularidad, sino también 

para ganar dinero… 

Creo que son distintos los tiempos. 

Quizá muchos de estos artistas 

pueden ganar por streams y no por 

shows; y quizá los íconos ganan más 

por los shows. Pero son momentos. 

En algún momento, siento que más 

tarde o más temprano va a haber 

más gente escuchando música por 

Spotify, YouTube. En la medida en 

que esa gente esté incorporada en las 

plataformas, también va a haber una 

mayor escucha de la música más 

contemporánea a nosotros. También 

va a suceder que muchos de estos 

artistas más fuertes en las plataformas 

y no tanto en los vivos generen 

un crecimiento en los vivos y se empareje 

la relación. Desde mi opinion, 

es un tema de tiempos. 

¿Celebrás el market-share 

y el éxito? 

Sin duda uno celebra. Uno dedica 

pasión y emoción al trabajo y que 

los resultados se den da mucha alegría. 

Es importante lograr los objetivos, 

pero uno no siempre puede 

pensar que se van a dar. Uno hace lo 

mejor para que los resultados se den 

y si se logran buenísimo, sino hay 

que aprender a corregir errores para 

volver a la senda de meter más goles. 

Streams, nominaciones, 

market share, ¿el semáforo 

cuál es? 

No es un semáforo. No mediría el 

market share de un año a otro, hay 

que ver si tuviste lanzamientos, o no. 

Hay que estar pendiente, pero no es 

el único y máximo indicador. Es un 

todo. Lo más importante al evaluarme 

es que lo hago más por el grado 

de pasión que le puse a mi trabajo. Si 

le puse la pasión que tenía que tener, 

voy a estar contento. Si los resultados 

me acompañan, mejor. A veces 

sale bien, a veces no, pero son cosas 

que pasan. Uno no tiene el control 

sobre la gente y en la industria de 

hoy, cada vez más, la gente es quien 

manda. La que hace click si una canción 

le gusta o no. La gente se conecta 

con el artista o no. Si no conecta, 

no es culpa de nadie, hay que buscar 

cosas distintas o ver si nos equivocamos 

en el proceso de comunicación 

de esa obra o esa canción. 

¿Cerca de los 15 años nos 

definimos musicalmente? 

No sé. No siento que haya una fórmula. 

Siento que la adolescencia se 

caracteriza por ser un período de 

rebeldía, crecimiento, dolor, corte, 

adolece el crecimiento. Cada generación 

fue abrazando ciertos artistas 

y géneros. Mi generación abrazó a 

Sex Pistols, Los Ramones, The Clash. 

Hoy por hoy, siento que el trap ocupó 

ese lugar. Muchas veces lo he 

hablado con Neo Pistea, que le digo 

que es el más punk de todos. Es un 

tema de actitud. Por eso lo veo desde 

ese lugar. No sé si la hipótesis es correcta 

o no, me parece súper válida. 

Siento que cada generación abraza 

determinados géneros, han pasado 

otros artistas y géneros que han tenido 

ese impulso. 

¿Dónde está el rock? 

Creo que la pandemia puso pausa a 

un proceso que venía apareciendo en 

Argentina. Había muchísimas bandas 

de rock nuevas, de chicos muy jóvenes 

con mucho potencial. La ausencia del 

vivo puso una pequeña pausa, pero no 

tengo dudas que el crecimiento se va a 

dar. Para mí, Conociendo Rusia es la 

banda de rock nueva con más peso. 

¿Tiene que ver el auge de 

los solistas con la disminución 

de bandas? 

Es diferente, pero como también 

es diferente el estilo de música que 

elijas. No es lo mismo componer 

canciones, que hacerlo con la bajada 

de línea específica llena de contenido 

ideológico del rock. El rock 

siempre tuvo un carácter ideológico 

muy potente, al no tener un vivo 

eso se pierde. Sin el vivo es difícil de 

imaginar un crecimiento porque la 

conexión de las bandas o los solistas 

con banda se da ahí. 

BILLBOARD.BO 

21

POWER PLAYERS 

FERNANDO MOYA 


INDUSTRIA 

I 

Fernando Moya 

“Los NFT acercarán a los artistas 

con el público de una manera 

nunca antes vista” 


FOTO: TUTE DELACROIX 

l fundador, presidente 

y CEO de Ozono 

E Producciones es uno 

de los productores más 

representativos del país, por su trabajo 

en la organización de festivales, 

shows, giras, y ser manager de artistas 

icónicos como Fito Páez. 

A lo largo de su carrera, Fernando 

Moya organizó más de una 

decena de Creamfields, además de 

los recitales de Paul McCartney o 

los Rollings Stones, y desempeñó su 

papel de manager de artistas como 

Charly García, Andrés Calamaro, 

Divididos y Mercedes Sosa. También 

fue el encargado de manejar 

la gira de Natalia Oreiro, con quien 

recuerda haber visitado países como 

Ucrania, República Checa o Rusia a 

lo largo de los años. 

Hoy, su empresa está dedicada a 

la creación, producción y comercialización 

de experiencias en vivo con 

formato de exportación y a la producción 

de eventos internacionales. 

¿Dónde comienza tu 

camino? 

Si vamos bien atrás podemos encontrarnos 

con los principios de la 

radio Rock & Pop. Fui parte de ese 

proyecto con una oficina de managers 

de artistas nacionales primero e 

internacionales un tiempo después. 

Ahí aprendí el negocio. 

¿Cómo viviste la evolución 

del mundo analógico a la 

digitalización actual? 

Son dos caminos pero claramente el 

que está hoy es el mundo digital. El 

analógico va a aguantar como lo hizo 

el vinilo o el papel, pero el mundo 

que va a evolucionar es el digital. A 

partir de ahora y en los próximos 

años se van a sentir las consolidaciones 

del mundo digital, donde el planeta 

en sí será mucho más distinto a 

tal y cómo lo conocemos. 

¿Qué recordás de los lanzamientos 

de proyectos 

.com y las redes sociales? 

La verdad es que generó un gran 

impacto en mi trabajo. Empecé a 

hacer Fuerza Bruta en 2004 y lo que 

sucedió en esos años es el paso del 

show de la Argentina a Londres de 

una forma realmente rápida con la 

visualización en lo que en ese momento 

era Facebook. Me encontré 

sin quererlo con un show que se difundió 

en todo el mundo, y no tenía 

una estrategia preparada para ello. 

Pusimos el foco en Londres y Nueva 

York, pero junto a eso crecieron las 

redes y el show explotó. Lo que antes 

uno tenía que explicarle a un chino, 

polaco, ruso, americano… Las redes 

lo hicieron más fácil y rápido. 

¿Cómo vivieron la gira de 

TINI por Europa y Argentina 

con Violetta? 

Solamente en el Rex vendió 77 espectáculos, 

fueron más de 210 mil 

entradas. No había pasado por esa 

experiencia nunca. Los 10 Rex de 

Fito con Amor Después del Amor, 

los 8 shows de Soda Stéreo, 10 o 12 

de Charly… Reservamos 40 fechas 

en el Rex y la organización pensaba 

que estábamos locos. Al final dobló 

por completo lo esperado. 

¿Te sorprendió en ese momento 

su éxito? 

La verdad que no, por la llegada 

al público tremenda que tenía con 

Violetta. Para mí fue la artista que 

más tickets vendió en la Argentina. 

¿Por qué crees que los 

shows en vivo lograron 

tantos sold outs y ventas 

luego de la pandemia? 

Hay algo que el vivo tiene y hay que 

cuidar. El vivo constante desgasta de 

alguna forma con el paso del tiempo. 

La teoría de saber guardarse y 

trabajar en diferentes ámbitos es la 

mejor opción. Me parece que la nueva 

camada de músicos argentinos 

está mucho más internacionalizado 

que los artistas de los 90’. Esos chicos 

tienen la posibilidad de probar 

otros mercados y no estar explotando 

tanto el cupo en el país. Por supuesto 

además que depende mucho 

de los artistas y cómo éstos regulan 

su cuota de contacto con el público. 

¿Dónde está el quiebre en 

la internacionalización de 

la música en español? 

Creo que el quiebre está en Spotify. 

En la radio decide el programador 

qué es lo que suena y lo que no, pero 

en Spotify es el público quien se encarga. 

Me parece que ayudó muchísimo 

al crossover de los idiomas no 

estandarizados como el inglés. siento 

que aplanó el mundo de cierta forma. 

¿Qué es Buenos Aires en 

relación a shows y calidad? 

La diferencia más grande de Buenos 

Aires con respecto al mundo es 

que tiene público joven, crossover 

y no se dinamitaron los ídolos. Han 

habido conciertos de Rolling Stone 

en otros países que terminan siendo 

aburridos por la gente que los va a 

ver, no por el show en sí. 

¿Crees que los NFT son 

el futuro en la industria 

musical? 

Estoy seguro de que acercarán al 

artista con el público de una manera 

nunca antes vista. La gran diferencia 

con comprar discos es que 

antes uno compraba el soporte de 

la canción, pero con los NFT uno 

va a compartir los derechos con el 

propio autor, hecho que marca la 

posibilidad de generar beneficio 

con las regalías si entra en Spotify y 

demás plataformas. 

¿Qué sería lo más inteligente 

para un artista hoy 

en día? 

Desde el managment, uno puede 

aportar para que el artista haga su 

trabajo lo mejor posible. Como artista, 

no estás buscando constantemente 

quién es el mejor productor 

o con quién podría presentar algo, 

sino que ahí entra el management. 

Acá había una construcción a la antigua 

y eso cambió, sin duda. 

¿La industria se volvió más 

colaborativa? 

Está más abierta. Uno le da participación 

a personas que quizás antes 

no estaban o que antes no se interesaban 

en ello. La fuerza que tomó el 

negocio discográfico también es un 

factor fundamental en este aumento 

de demanda. Con “fuerza” me 

refiero a las ventas y a los números 

que genera. 

¿Alguna vez habías visto 

que un artista con pocos 

años de carrera llegue al número 

uno en popularidad? 

Para nada, es un hecho totalmente 

nuevo. Tienen una velocidad de 

comunicación y de traspaso muy 

importante. 

¿Por qué no lo logran los 

artistas que ya tenían éxito 

anteriormente? 

Les cuesta traspasar a otros países 

y otras sociedades, y eso tiene que 

ver con la composición. Están muy 

arraigados a la música argentina y 

los chicos de la nueva generación 

están incluidos dentro del hip-hop, 

el trap, el reggaetón… Y eso se está 

haciendo en todos lados. 

BILLBOARD.BO 

23

FOTÓGRAFOS 

Agustín Dusserre 

Música en imágenes 

A LO LARGO DE SU CARRERA HA FOTOGRAFIADO A GRANDES ARTISTAS Y BANDAS COMO 

METALLICA, NOEL GALLAGHER, LOS FABULOSOS CADILLACS, MICK JAGGER O LENNY KRAVITZ EN 

ALGUNOS DE LOS FESTIVALES MÁS IMPORTANTES A NIVEL GLOBAL 

POR BILLBOARD CONTENIDOS · FOTOS: AGUSTÍN DUSSERRE 

RETRATO DE AGUSTÍN DUSSERRE: MARTÍN BONETTO 

Agustín dusserre trabaja 

hoy como fotógrafo 

en Rolling Stone Argentina, 

y cuando se le consulta 

sobre sus bandas favoritas con 

las que trabajó no duda: “Una de 

mis favoritas desde mi adolescencia 

es Los Fabulosos Cadillacs. También 

tuve la oportunidad de trabajar con 

otro de mis artistas más admirados, 

Noel Gallagher. Otros fueron los 

Pixies, trabajé con ellos durante una 

semana en la gira que incluyó los 

Lollapalooza de Chile y Argentina 

del 2014, para la revista Mojo del 

Reino Unido. De los artistas a los 

que fotografié, mis favoritos fueron 

Los Rolling Stones, Radiohead, Blur, 

Liam, Arctic Monkeys, Pulp, Charly 

García, Illya Kuriaky y Babasónicos… 

y siempre, a mis sempiternos 

Mimi Maura y a Sergio Rotman, en 

cualquier cosa que hagan. Fueron 

los dos primeros que confiaron en 

mi ojo”, señala. 

¿Cuál es tu mejor foto? 

Mi registro del momento en que 

Jack White invitó a Robert Plant al 

escenario para cantar “The Lemon 

Song” en el Lollapalooza 2015. Esa 

toma se transformó en la primera 

fotografía de Rolling Stone Argentina 

en ser publicada por la edición 

estadounidense de la revista. Me 

hizo entender el poder de la foto, 

cómo puede llegar a lugares inesperados. 

Además, me encanta la com- 

plicidad y felicidad genuina que se 

les ve a los dos. 

¿Qué fotógrafos te inspiran? 

Jim Marshall, Annie Leibovitz, 

Jill Furmanovsky (fotógrafa que 

acompañó a Oasis en sus años de 

crecimiento, incluyendo el histórico 

show de Knebworth en 1996), 

Danny Clinch. De acá, me inspiran 

Aspix, Nora Lezano, Andy Cherniavsky 

y mis amigos Nacho Arnedo, 

Martín Bonetto y Guido Adler. 

¿A quién te falta sacarle una 

foto? 

Pienso en los imposibles, los que 

ya no están o bandas que están separadas, 

que cuando veo fotos de 

ellos sueño con haber estado allí 

y poder haberlos registrado a mi 

manera: Bob Marley, Janis Joplin, 

Jimi Hendrix, Johnny Cash, Miles 

Davis. Beastie Boys, REM, Madness, 

The Black Crowes, The Stone Roses, 

Guns n´ Roses de los 90´s. Oasis, 

Amy Winehouse y Gustavo Cerati. 

¿Cuáles son las cámaras y equipos 

que más usaste? 

Actualmente uso una Nikon D750 

como primera cámara, y una Nikon 

D700 como backup, ambas de formato 

completo. Mis lentes favoritos 

y que llevo conmigo a todos los 

shows son Tokina 16-28mm; Nikkor 

24-70mm, Nikkor 70-200mm. Todos 

f2.8. 


¿El futuro de la fotografía 

incluye video o movimiento? 

¿Cómo analizás la evolución de 

la profesión? 

Creo que si la fotografía tuviese 

movimiento, ya dejaría de ser una 

fotografía percé y sería un video. Es 

decir que son cosas diferentes y está 

bien que así lo sea. Lo que sí aprecio 

mucho es cuando una fotografía fija 

da la sensación de movimiento. Que 

sea tan perfecta que te haga sentir 

el movimiento que se captó en esa 

parte de segundo. En cuanto a nuestra 

profesión, siento que cada vez se 

valora menos todo lo que implica 

lograr una buena fotografía de la 

manera en que la hacemos. Cada vez 

que no se reconoce un crédito o que 

se intenta evitar un presupuesto, se 

está atentando contra nuestro arte. 

Más allá de esta mirada negativa al 

respecto, creo que el avance tecnológico 

hace que la fotografía tenga una 

popularidad que nunca ha tenido en 

la historia, donde en cada casa hay 

una cámara al alcance de la mano y 

donde se pueden registrar todos los 

momentos cotidianos. Quien realmente 

esté interesado en la fotografía, 

hoy tiene muchas más oportunidades 

para ejercer esta hermosa 

profesión. Más allá de los equipos, 

es muy sencillo seguir la obra de los 

fotógrafos referentes de cada uno, y 

eso es una motivación continua. 

Qué tiene que tener un fotógrafo 

para destacarse? 

Amor por la fotografía y por el tipo 

de fotografía que realiza. Así fue 

como funcionó para mí. Siempre 

hice esto con mucho amor, y me especialicé 

en shows de música porque 

ir a shows era mi pasatiempo favorito. 

Luego, es importante hacer esto 

con el profesionalismo que requiere. 

Particularmente en la fotografía de 

recitales: confiar en el instinto propio, 

estar preparados para acotar 

el margen de sorpresa y disfrutar 

mucho lo que hacemos. Todo eso 

hace que toda nuestra pasión y la del 

artista fotografiado se refleje en la 

obra final. 

BILLBOARD.BO 

25

I 

INDUSTRIA 

Festivales versus giras 

A medida que el negocio de los conciertos intenta reaparecer, los grandes festivales 

al aire libre se agotan mientras que las giras de grandes artistas se retrasan. 

POR DAVE BROOKS 

Bottlerock ha hecho 

que “tocar hasta que 

son desconectados” un 

rito de iniciación en su 

festival anual de Napa, California, 

donde el evento es a las 22hs y el toque 

de queda se hace cumplir con un 

interruptor de apagado. La pérdida 

repentina de sonido amplificado puede 

ser discordante, pero cuando la 

multitud interviene para cerrar una 

canción, como lo hizo durante el set 

de Guns N 'Roses de este año, que incluyó 

al invitado especial Dave Grohl, 

gritando juntos: "Oh, please take 

me ho-ome ”, el inevitable video viral 

debería haber sido la comercialización 

del oro para la venta de entradas 

para la gira principal de la banda. 

En 2021, el cierre de alta energía 

puede haber servido como un refuerzo 

de confianza para la banda de 

hard-rock, que recientemente hizo 

su regreso pos pandémico a la carretera 

para tocar en 25 shows pospuestos 

de su gira de 2020, así como en 

14 nuevos conciertos en 2021. 

La última gran serie de conciertos 

del acto fue Not in This Lifetime 

Tour, que ganó US$ 500 millones a 

partir de la primavera de 2016 y se 

convirtió en la cuarta más taquillera 

de la historia, según Billboard 

Boxscore. Sin embargo, desde que se 

reinició el negocio de los conciertos, 

está teniendo más dificultades para 

lograr que los fans se presenten. En 

promedio, el 10% de las personas que 

en 2019 y 2020 compraron entradas 

para ver Guns N 'Roses en estos espectáculos 

no se han presentado a los 

conciertos reprogramados de 2021, y 

las actuaciones de la banda previstas 

para finales de este año en México y 

Europa han sido retrasado hasta 2022 

en medio de preocupaciones sobre 

las débiles ventas sin cita previa. 

Al menos Guns N ’Roses está en 

buena compañía. Este otoño, los 

Eagles, Billy Joel, George Strait, Zac 

Brown Band y James Taylor han visto 

tasas de no presentación de hasta 

el 25% en algunas actuaciones. Los 

ejecutivos de la industria culpan a 

los temores persistentes sobre la propagación 

de COVID-19 en lugares 

cerrados, incluso entre aquellos que 

están vacunados, así como a la competencia 

con una avalancha de otros 

conciertos, festivales y eventos de 

destino. Para los espectáculos que se 

han agotado, los ingresos por entradas 

no son una preocupación, pero 

esto significa menos personas en los 

asientos, así como ventas más débiles 

de alimentos, bebidas y mercancías, 

además de un golpe en la capacidad 

de los reservadores y promotores 

para planificar con anticipación. 

Los festivales como BottleRock, 

que según los funcionarios de la 

compañía se agotaron "en cuestión 

de minutos" este año, son un punto 

brillante en el negocio de la música 

después de la pandemia, y la asistencia 

a la mayoría de estos eventos aumenta 

con respecto a sus niveles de 

2019, según Live Nation. informe de 

ganancias más reciente. Una razón: 

los festivales al aire libre se perciben 

como más seguros que los espectáculos 

en interiores. También proporcionan 

un valor mucho mejor. “Los 

fanáticos pueden ver muchos más 

actos en un festival por el mismo 

precio que pagarían por asistir a una 

gira de grandes titulares”, dice Bobby 

Dee, productor del festival Once 

Upon a Time in LA. El evento de diciembre, 

que presenta a Snoop Dogg, 

The Game y Al Green, se agotó en 

menos de 24 horas. “Están saliendo 

[durante] la pandemia y tomando 

la decisión de que no quieren pasar 

dos horas viendo a un artista tocar 

su set y encore. Quieren la libertad 

de recorrer el evento y organizar su 

propia experiencia ". 

Eso está haciendo que los artistas 

reconsideren sus planes de gira 

para el próximo año y más allá. En 

la mayoría de los casos, los conciertos 

de titulares tradicionales pagan a 

los artistas un mínimo garantizado, 

después de lo cual los ingresos por 

entradas se dividen con el promotor, 

lo que significa que ambas partes 

comparten el riesgo. En cambio, los 

festivales ofrecen a los actos un pago 

fijo, independientemente de las ventas. 

Eso es atractivo para los agentes 

de reservas, que podrían preocuparse 

por exponer a sus clientes a mayores 

riesgos a medida que se reabre el 

negocio de los conciertos. 

También les da a algunos festivales 

la oportunidad de contratar artistas 

como Stevie Nicks, quien fue contratado 

para actuar en BottleRock. 

También puede significar pagar 

enormes tarifas para contratar a los 

talentos principales que podrían no 

traer el tipo de venta de boletos que 

esperaban los organizadores. 

FOTO: CHRIS TUITE 


ALLY BROOKE 

“ Estoy regresando 

a mis raíces” 

Iniciando su nueva era musical, 

la artista multiplatino Ally Brooke 

presentó el primer sencillo en español 

de su nuevo álbum, Mi Música. 


Este lanzamiento marca su debut 

bajo el nuevo acuerdo discográfico que 

firmó con Duars Entertainment y AMSI 

Entertainment. El video fue dirigido por 

Jack Nine Films y filmado en Universal Studios 

en Orlando y cuenta la historia de una joven cuyo 

espíritu se libera únicamente por la música. 

En celebración del Mes de la Herencia Hispana, 

Ally presentó nueva música en español con una 

actuación exclusiva durante la Semana de la Música 

Latina Billboard en Miami, FL, junto a Rauw 

Alejandro y Eix. Además, estrenó una versión 

especial de “Game of Love” en la transmisión de 

PBS de la edición 34 de los Premios de la Herencia 

Hispana, como parte de un homenaje en honor 

al legendario Santana, y aparece en un nuevo 

episodio de “Cultura Clash” de Billboard. 

¿Por qué en español, Ally? 

Esta soy yo regresando a mis raíces. Tengo muchas 

canciones en español recientemente, en especial 

como artista solista. En este momento me 

llegó una oportunidad muy buena para que vuelva 

a conectarme completamente con mi pasado, 

algo que siempre quise. Estoy realmente orgullosa 

de poder presentar incluso un álbum en español. 

¿Por qué crees que la música latina se 

está escuchando finalmente en Asia y 

Estados Unidos? 

Creo que es increíble. Dije por mucho tiempo que 

nuestros escritores, músicos y artistas son realmente 

talentosos. Ellos están dando música real 

y mostrando su arte por todo el mundo, y que 

sea escuchado y respetado es algo realmente hermoso. 

La gente está mucho más abierta de mente 

también así que ello ayuda un montón. Siempre 

hemos estado aquí y llegó el momento de que la 

gente nos ame. 

¿Cómo y por qué elegiste a tus productores? 

King Mora es parte de mi discográfica y es un 

gran escritor y compositor, formó parte de mi 

álbum. Trabajé con Geofred en “Mi Música” 

porque esta canción es mi alma, es exactamente 

quien soy yo y el mensaje habla de que si te tengo 

a ti no necesito a más nadie. Era un mensaje 

que quería compartir con mi familia, mis fans, 

Dios… Es un mensaje hermoso y estoy orgullosa 

de este momento en mi carrera, por lo que 

le agradezco a Geofred por poder ayudarme a 

transmitir ese mensaje. 

¿Cómo viviste el reencuentro con el 

público y tus colegas en la Latin Music 

Week? 

Fue increíble, esa semana tuve la oportunidad 

de presentarme por primera vez después de la 

pandemia frente a una gran cantidad de público. 

Fue algo realmente especial porque también pude 

encontrarme con mis amigos, colegas y grandes 

artistas. Había una energía muy linda y me puse 

muy feliz al darme cuenta de que amaron lo que 

hacía y me aceptaron, algo que significa mucho 

para mí. 

¿Cómo están organizando las giras y 

los conciertos? 

Mi equipo y yo estamos manteniendo grandes 

conversaciones sobre mis futuros shows y estoy 

súper emocionada. “Mi Música” es la intro o el 

opening de este camino, es la primera canción del 

álbum y creo que hay un par de shows ya previstos 

que estoy ansiosa por confirmar. 

¿Cuál es la diferencia entre la Ally de 

“Vámonos” y la de “Mi Música”? 

“Vámonos” fue mi primera canción como artista 

solista allá por el 2018. La Ally que soy ahora es muy 

diferente, siento que soy mucho más segura sobre 

quién soy, sobre qué quiero cantar, con qué estoy 

conforme y quién soy cómo artista. Esta canción es 

totalmente yo, esa es la mayor diferencia. 

¿Qué artista te gusta o con quién estás 

familiarizada de Sudamérica? 

Todos son increíbles. TINI es increíble, su música, 

su voz, su estilo… De hecho, ambas nos seguimos 

en redes y sería genial colaborar con ella 

alguna vez, o solamente salir a tomar algo, eso ya 

es suficiente. 

¿Estás interesada en lanzar tu propia 

marca de ropa? 

Totalmente, es mi sueño un día. Sería algo muy 

adorable ver a pequeñas chicas o chicos vestidos 

como yo. Es algo que está presente en mi lista de 

sueños, me gusta poder expresarme a través de la 

ropa y la moda. 

FOTO: JORA FRANTZIS 


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SUBIENDO LAS APUESTAS 

el spin-off de universal music provocará nuevos movimientos de ingresos, 

así como nuevos conflictos y competencia. 

POR ROBERT LEVINE Y GLENN PEOPLES 

no hace tanto tiempo, pensar más seriamente 

sobre el futuro del negocio de la música implicaba 

predecir el colapso de los principales sellos 

discográficos. En 2002, David Bowie dijo que la 

música “se volvería como agua corriente” y que los 

derechos de autor desaparecerían en una década. 

Y una vez que la música se hiciera gratuita, ¿quién 

necesitaría una empresa que ayudara a promocionarla? 

En 2013, el líder de Radiohead, Thom 

Yorke, llamó a Spotify “el último pedo desesperado 

de un cadáver moribundo”, refiriéndose a las 

etiquetas, y luego distribuyó su álbum Tomorrow’s 

Modern Boxes en BitTorrent. 

(¿Recuerda BitTorrent?) Los inversores no eran 

mucho más optimistas. En 2003, Time Warner 

vendió su negocio de música a un grupo de inversionistas 

liderado por Edgar Bronfman Jr. por 2.6 

mil millones de dólares, un múltiplo de nueve veces 

el EBITDA de la compañía, o ganancias antes 

de intereses, impuestos, depreciación y amortización. 

En 2011, Universal Music Group, bajo el 

nuevo CEO Lucian Grainge, acordó comprar el 

negocio de grabación de EMI Music por US$ 1.9 

mil millones, solo siete veces su EBITDA, en lo 

que bien pudo haber sido el fondo del mercado. 

Ese mismo año, Spotify se lanzó en Estados 

Unidos. En unos pocos años, se convirtió en la 

empresa de agua que Bowie podría haber imaginado, 

al igual que Apple Music y otros servicios. Sin 

embargo, por mucho que la transmisión representara 

un nuevo modelo de negocio innovador, 

el futuro no resultó ser tan radical como algunos 

predijeron. 

La mayoría de los artistas ambiciosos aún hacen 

tratos con sellos o distribuidores, que otorgan licencias 

de su música a compañías que generan la 

mayoría de los ingresos de la industria al cobrar a 

los consumidores por ello. 

El poder del streaming y sus ingresos estables 

y escalables impulsaron la escisión del 21 de septiembre 

de Universal Music Group by Vivendi, que 

resultó que fue fundada en 1853 como una empresa 

de agua real. UMG, que salió a bolsa con un 

valor de aproximadamente US$ 57 mil millones, es 

la compañía de música más valiosa de la historia y 

cotiza por aproximadamente 30 veces su EBITDA 

de 2020. En su primer día de operaciones, ayudó a 

impulsar el valor de Warner Music Group, que salió 

a bolsa el año pasado, en un 13,4%. WMG, que 

cotiza a un múltiplo de EBITDA de 27, anunció 

recientemente un acuerdo para lanzar los álbumes 

que lanzó Bowie después de 2002. Y Tomorrow’s 

Modern Boxes ahora está en Spotify. 

La escisión de UMG deja en claro que la industria 

ha entrado en una nueva fase, que parece un 

boom para los tipos de actos que funcionan bien 

en la transmisión y los sellos y distribuidores que 

trabajan con ellos. (Queda por ver qué depara el 

futuro para otros tipos de actos, al igual que cuánto 

compartirán los editores y compositores de esta 

prosperidad). Podría aumentar aún más el valor de 

la grabación y publicación de catálogos, que ya se 

han elevado a múltiplos sin precedentes. además 

de inspirar a otras empresas a cotizar en bolsa (ver 

artículo, página siguiente). UMG puede beneficiarse 

más de un auge que sus competidores, ya 

que su participación de mercado no tiene precedentes 

en el negocio de la música moderna, razón 

por la cual los inversores la valoran muy bien. Pero 

incluso a esos competidores ahora les resultará 

más fácil recaudar capital, y gran parte del dinero 

que se vierte en el negocio de la música ayudará a 

otros músicos: actos que pueden negociar mayores 

avances, compositores que pueden obtener más dinero 

por sus derechos de publicación, promotores 

de conciertos que se beneficiará de presupuestos 

de marketing de artistas más altos. 

Lo que también significa que UMG se enfrentará 

a una feroz competencia, de sellos establecidos, 

nuevos distribuidores y una variedad de empresas 

de servicios para artistas. El hecho es que los 

artistas de cualquier tamaño ya no necesitan una 

etiqueta como antes. Los servicios de transmisión 

por secuencias y las redes sociales han reducido 

el costo del marketing y la promoción, y algunas 

empresas incluso están comenzando a ofrecer anticipos 

contra regalías y otros servicios financieros 

que antes solo las discográficas podían brindar. 

Muchos artistas todavía quieren una etiqueta, por 

supuesto, para financiar el marketing o sufragar el 

riesgo, pero a menudo solo en sus propios términos. 

La competencia entre empresas con diferentes 

modelos de negocio solo les ayudará. 

Hace dos décadas, el negocio de la música se 

convirtió en una serie de conflictos sobre si la 

música grabada continuaría generando ingresos 

significativos en un mercado digital. Durante 

años ha estado claro que lo hará, y el optimismo 

sobre cuánto sigue aumentando. Lo que aún no 

se ha resuelto por completo es cómo se dividirán 

esos ingresos, entre sellos y empresas de distribución, 

pero también entre sellos y editoriales, sellos 

y artistas, y qué modelos comerciales serán más 

efectivos en una industria donde cada jugador 

tiene mucho más. elección de cómo estructurar 

acuerdos y con quién. Y estos conflictos, menos 

convincentes para los expertos, pero más interesantes 

para los inversores, darán forma al negocio 

de la música del futuro. 

ILUSTRACIÓN: DAN WOODGER PARA BILLBOARD 


EL 

PADRINO 

DADDY YANKEE llevó el reggaetón de las calles 

de San Juan a un escenario global y enseñó a 

sus estrellas una nueva forma de hacer negocios. 

Mientras prepara su décimo álbum, muestra por 

qué sigue siendo “The Big Boss”. 

POR LEILA COBO 

FOTOS: JAI LENNARD 


Yankee fotografiado el 5 de 

agosto en el Palacio Provincial 

de San Juan, Puerto Rico. 

Diseño de Rachel Johnson 

Camiseta Ambush, pantalones 

Hudson Jeans, zapatos Y3, 

reloj Richard Mille, joyas de 

David Yurman y gafas de sol 

Cutler + Gross. 

BILLBOARD.BO 

33

mer álbum de reggaetón en llegar a 

ese lugar, y permaneció allí durante 

24 semanas, convirtiéndose finalmente 

en el mejor álbum latino de 

la 2000. 

Con él, Yankee alteró irrevocablemente 

el sonido y el negocio de 

la música latina, no solo impulsando 

el surgimiento de un género que 

hoy es un fenómeno global, sino 

literalmente construyéndolo desde 

cero. Estableció los estándares para 

todo, desde cómo se vestían los 

reggaetoneros hasta cómo se creaba 

su música y la forma en que los 

artistas más importantes del género 

negociaban colaboraciones y divisiones 

de canciones. En el camino, 

introdujo un modelo de negocio 

independiente de bricolaje, en el 

que financió su propia grabación, 

marketing y promoción; distribución 

con licencia exclusiva; y, lo que 

es más importante, mantuvo la propiedad 

de sus maestros, que se ha 

convertido en un modelo adoptado 

por muchos de los actos latinos más 

vendidos de la actualidad. 

“[Daddy Yankee] fue, y es, una 

inspiración para mí, no solo musicalmente, 

sino también como un 

visionario de la industria del entretenimiento 

y un gran defensor de 

nuestro género”, dice Ozuna. Anuel 

AA lo llama con total naturalidad 

“una leyenda” que “allanó el camino 

para muchos de nosotros. 

Todos empezamos desde abajo, 

pero él empezó desde cero, cuando 

el género ni siquiera existía. Eso es 

algo que solo los grandes pueden 

hacer “. Y Yankee no solo se ha 

mantenido relevante; se ha mantenido 

en la cima, con seis No. 1 en 

Top Latin Albums; un récord de 73 

entradas en Latin Airplay y 84 éxitos 

de Hot Latin Songs desde “Gasolina”, 

incluyendo “Despacito”, que 

rompe récords y cambia de paradigma, 

junto a Luis Fonsi. “Estuvo 

a la vanguardia de los dos cambios 

más importantes en la música latina”, 

dice Jorge Mejía, presidente 

/ CEO de Sony Music Publishing 

Latin America y U.S. Latin, de esos 

dos temas. (Sony acaba de renovar 

el contrato editorial global de 

Yankee). “Antes de ‘Despacito’, la 

idea de que los compositores latinos 

podían colaborar en un escenario 

mundial no era algo común”. 

Karol G dice que asociarse con 

actos en ascenso es algo que aprendió 

directamente de Yankee. “Nunca 

percibes al chico como viejo 

porque colabora con los actos más 

Daddy yankee 

se sentó en 

el diminuto 

departamento 

que compartía 

con su esposa 

y sus tres hijos en Villa Kennedy, un 

proyecto de viviendas en San Juan, 

Puerto Rico, escuchando los sonidos 

de las calles. 

“¡Cómo le gusta la gasolina!”, 

Gritaban las voces debajo de su 

ventana, burlándose de las chicas 

guapas que los llevaban chicos con 

autos llamativos. “A mi me gusta 

la gasolina, dame más gasolina”, se 

coreó Yankee para sí mismo, un 

estribillo que no podía sacarse de 

la cabeza. 

Era 2004, y Yankee (nacido Raymond 

Ayala), entonces de 28 años, 

era el líder de un floreciente movimiento 

musical clandestino conocido 

como reggaetón. Sabía que la 

música era demasiado grande para 

limitarla a las calles donde vivía, y 

que necesitaría un megahit para salir 

fuera de su hogar en la isla. 

Tomó el coro y fluyó hacia su 

amigo Luny, del dúo de producción 

Lunytunes, entonces los principales 

productores de la escena. Junto con 

el rapero y letrista Eddie Dee, desarrollaron 

una pista, agregando el sonido 

de los motores disparando en 

la introducción junto con los versos 

rápidos de Yankee y, encima del ritmo 

contundente y agresivo de Luny, 

ese estribillo que sonaba como una 

burla en el patio de la escuela. . 

“El verso era tan simple y fácil 

de recordar”, recuerda Yankee hoy. 

Está sentado en la biblioteca del 

Palacio Provincial, un hotel recién 

inaugurado en un edificio del siglo 

XIX en el corazón del moderno 

Viejo San Juan, a 10 minutos en 

auto pero a toda una vida de ese 

viejo apartamento de Villa Kennedy. 

“La gente buscaba un significado 

oculto: ¿estaba hablando de 

alcohol, de drogas? Pero esa pista es 

completamente literal “. 

Independientemente de cómo lo 

interpretó su público, “Gasolina” resultó 

ser el combustible que el reggaetón 

y el yanqui necesitaban para 

explotar. La canción se convirtió en 

el segundo sencillo de Barrio Fino 

de 2004, el tercer álbum de Yankee 

en El Cartel Records, el sello que 

había creado tres años antes. Distribuido 

por el sello Machete de Universal 

Music Group (UMG), debutó 

en el n. ° 1 en la lista de los mejores 

álbumes latinos de Billboard, el pricalientes, 

pero también con los actos 

nuevos más calientes”, dice ella. 

“Es algo por lo que los nuevos artistas 

están agradecidos”. 

Sin embargo, a pesar de que su 

alcance se ha expandido a un escenario 

global, muchas cosas se 

han mantenido igual para Daddy 

Yankee. A lo largo de los años, ha 

continuado lanzando su música en 

El Cartel a través de acuerdos de 

distribución con diferentes sellos. 

Su álbum bilingüe de 2007, El Cartel: 

The Big Boss, fue distribuido 

por Interscope porque “me dieron 

el mejor trato”, le dijo a Billboard en 

ese momento. Debutó en el N° 1 en 

Top Latin Albums y en un respetable 

N°9 en la lista Billboard 200 

de todos los géneros, sin embargo, 

para su próximo álbum de estudio, 

Mundial de 2010, eligió Sony Music 

Latin como distribuidor, y luego 

Capitol Latin para Prestige de 2012, 

nuevamente. citando “el mejor trato” 

como su principal razón para 

los cambios. 

A los 46 años, todavía es apuesto 

como un niño, su corte de pelo 

acentúa la piel suave y los rasgos 

cincelados. Está delgado por hacer 

ejercicio durante la pandemia, usa 

una camiseta blanca, pantalones 

deportivos y la cantidad justa de 

joyas (cadena, brazalete, anillo y reloj 

en platino y diamantes a juego) 

para irradiar confianza en sí mismo, 

no fingir. 

Aún vive en Puerto Rico, no solo 

porque es su hogar, sino porque le 

permite “estar en contacto con las 

calles”. Todavía trabaja con gran 

parte de su equipo del primer día, 

incluida la publicista Mayna Nevarez 

y la productor Luny. 

Y todavía está casado con su no- 


via de la secundaria Mireddys González, 

quien también es su gerente, 

directora ejecutiva de El Cartel y 

una emprendedora por derecho 

propio con más de un millón de seguidores 

en Instagram. 

González (quien se negó a ser entrevistada) 

es ampliamente conocida 

por ejercer una amplia influencia 

en la carrera de su esposo, lo que 

Yankee admite libremente. “Ella es 

la jefa. Ella siempre ha sido la jefa”, 

dice con una sonrisa. (Más tarde, 

los veré a los dos charlando en el 

balcón del hotel, Yankee susurrándole 

al oído mientras sus manos 

rodean su cintura, como si todavía 

fueran adolescentes). 

Pero la última palabra en todo 

se reduce al propio Yankee. “Su 

atención al detalle es incomparable”, 

dice Simran Singh, su abogado 

durante los últimos cinco años. 

“Él mira todo. Estudia música hoy 

como lo hizo hace 20 años: los números 

y las métricas, y está pensando 

en todo desde el lado del marketing 

antes de lanzar una canción “. 

El director de video y diseñador 

gráfico Carlos Pérez fue testigo 

de eso de primera mano en 2004, 

cuando Yankee lo contrató para 

diseñar la estrategia de marketing 

y visual de Barrio Fino. “Nos tomó 

como tres días, él iba línea por línea 

y preguntaba ‘¿Qué es esto?’”, Recuerda 

Pérez, quien también todavía 

trabaja con Yankee. “Finalmente, 

dijo: ‘Lo quiero todo’. Todo costó 

alrededor de $ 30,000, sin incluir el 

video. No era barato para la época 

ni para un artista independiente. 

Pero simplemente dijo: “¿Puede 

dividirlo en tres pagos?” Quería 

marketing y la identidad al nivel de 

cualquiera de los mejores artistas de 

hip-hop “. 

Ese conocimiento estratégico 

aún está evolucionando mientras 

Yankee se prepara para lanzar su 

décimo álbum de estudio, y el primero 

desde 2012, este otoño en El 

Cartel, pero bajo un acuerdo de 

distribución global renovado con 

UMG, uno que cae directamente 

bajo el alcance del CEO Lucian 

Grainge y UMG. la vicepresidenta 

ejecutiva Michele Anthony, con 

Republic Records proporcionando 

marketing y promoción. 

El acuerdo, que Singh describe 

como “astronómico”, aunque ni él 

ni Yankee revelarán su valor, también 

incluye una asociación en un 

documental sobre la historia del 

reggaetón, producido por Yankee y 

financiado y producido por UMG, 

que pronto comenzará. comprándolo 

en plataformas de transmisión 

y estudios. 

“Daddy Yankee es ese artista 

poco común que realmente da forma 

a la cultura y cambia el mundo 

a través de su música e ideas”, dice 

Anthony. “Al convertir el reggaetón 

en un fenómeno global, ayudó a impulsar 

la explosiva popularidad cruzada 

de la música latina. A través de 

su música y su espíritu empresarial, 

ha creado nuevos modelos comerciales 

y una plataforma que ha lanzado 

las carreras de muchos de los 

nuevos artistas de la actualidad “. 

El acuerdo se elaboró el año 

pasado en medio del apogeo de la 

pandemia. Yankee, distribuido por 

UMG desde el acuerdo de Capitol 

Latin en 2012, todavía le debe a la 

compañía varios sencillos. Pero en 

lugar de simplemente entregarlos, 

propuso un álbum completo bajo 

un nuevo acuerdo: con UMG en lugar 

de Universal Music Latino. 

“Los fanáticos finalmente están 

listos para escuchar un álbum completo 

en plataformas de transmisión”, 

dice Yankee. “Necesitamos 

crear un momento, ¿y qué mejor 

gente que Sir Lucian y Michele Anthony 

para hacerlo? Republic tiene 

un sentido de la cultura [latina] y 

tienen muchos latinos en sus equipos. 

[Universal Music Latino] era 

mi distribuidor, pero todo lo demás 

lo hacía por mi cuenta. Ahora, 

UMG, son mis socios “. 

Aunque la lista de canciones del 

álbum aún es un trabajo en progreso, 

incluye el sencillo “Métele Perreo” 

(lanzado el 2 de septiembre), 

una pista de reggaetón vintage de 

ritmo rápido con un video que rinde 

homenaje a la 

Pueblo puertorriqueño de Bayamón, 

donde los yanquis entrena a 

diario en un gimnasio de boxeo. Y 

también incluirá, como es habitual, 

colaboraciones con grandes nombres 

y promesas por igual. Yankee 

siempre está buscando la próxima 

estrella lista para romper, como lo 

estuvo antes, como el rapero Eladio 

Carrion, con quien recientemente 

se unió en una pista. 

“Lo estoy apoyando y estoy 

abrazando lo que está haciendo 

porque reconozco la importancia 

y la credibilidad del artista que 

viene de las calles”, dice Yankee. 

“Mi objetivo siempre fue crear 

una cultura urbana, en español, 

que obtuviera reconocimiento. 

Y gracias a Dios, me acerco a mi 

cuarta década musical y estoy 

viendo los resultados “. 

BILLBOARD.BO 

35


¿Cuándo decidiste hacer de 

la música tu carrera? 

No tenía otras opciones. Tenía una 

hija, así que pensé: “Tengo que cantar, 

de lo contrario, ¿cómo voy a 

apoyar a este niño?” El problema era 

que estaba iniciando una carrera en 

un género que aún no existía. Era 

reggae y era rap, pero no reggaetón. 

La cultura del reggaetón empezó 

con nosotros, en 1990, 1991. 

Empezamos a sacar música y 

tocar en todos los proyectos de vivienda. 

Y empezaron a pagarnos, 

poco a poco. Teníamos un DJ y un 

tocadiscos, usábamos el mismo micrófono 

que el DJ y nos pagaban $ 

20, $ 50, $ 100. 

¿Qué te convenció de que 

podría funcionar? 

Empezamos cantando en las fiestas 

patronales (fiestas patronales 

comunes en Puerto Rico) en los 

proyectos de vivienda. No teníamos 

soporte ni marketing y siempre 

éramos el éxito de la fiesta. Fue entonces 

cuando me di cuenta de que 

teníamos algo poderoso en nuestras 

manos. Además, la gente venía a 

comprar mis casetes. Hacía calor 

en las calles. Otras personas no lo 

entendieron, pero yo sí, porque había 

sido un gran fanático del rap de 

los 80, Run-DMC, LL Cool J, desde 

que era niño, y estaba sucediendo 

lo mismo que había sucedido con el 

rap. aquí, con nosotros. 

La nueva generación de 

artistas de reggaetón dicen 

que ustedes son su inspiración, 

tanto musical como 

comercialmente. Siempre se 

menciona el hecho de que 

eres dueño de tus maestros. 

¿Por qué tomaste esa ruta? 

Nadie quería ficharme. Lo intenté. 

Honestamente, nadie creía en 

la música, punto. Pensaban que [el 

reggaetón] era una moda. Me han 

estado diciendo que soy una moda 

pasajera desde 1990. Me han dicho 

que me retire desde 1990. Llevé Barrio 

Fino a EMI y Universal, pero 

no estaban interesados en ese tipo 

de música. Su oferta fue que me 

pagarían $ 10,000 o $ 15,000 para 

publicarlo, pero se quedarían con 

los maestros. Para entonces, ya había 

lanzado Elcangri.com [en 2002] 

y había pagado personalmente para 

fabricar 50.000 copias que distribuí 

por mi cuenta. Si gano $ 5 por 

álbum y vendo 50,000 álbumes, $ 

10,000 no cuadran. Sabía, desde el 

momento en que comencé a fabricar 

los álbumes, que quería crecer, 

pero no tenía el sistema de distribución 

para llegar a todos. 

¿Estabas haciéndolo completamente 

por tu cuenta? 

Si. Entonces, cuando entré a negociar, 

dije: “Estoy dispuesto a ser su 

socio. Necesito que distribuyas mi 

producto y me pongas en todas partes 

“. Y dijeron que no: “No solo distribuimos. 

Contratamos artistas y tu 

música no se vende “. Ese es el error 

que comete la gente cuando se sienta 

detrás de sus escritorios y no está 

en la calle. Eso me enseñó a estar 

siempre en contacto con las calles. 

Las circunstancias cambian cuando 

creces como artista y pierdes ese 

anonimato y no puedes salir y conectarte 

con tu entorno. Pero aquí 

en Puerto Rico me relaciono con la 

gente, voy a la playa, veo cómo consumen 

música, le presto atención y 

me permite crear. 

Al principio de tu carrera, 

antes de hacer sus propios 

álbumes, grabó mixtapes 

y compilaciones. ¿Cediste 

esos maestros? 

Si. En ese momento lo hice, porque 

no teníamos sentido de la industria 

de la música. No sabía lo que era un 

maestro. Cuando publiqué Elcangri.com, 

no tuve que preocuparme 

por nada porque yo era mi propio 

jefe y eran mis canciones y mis 

letras. Pagaría por los beats, y eso 

es todo. Hice la inversión y todo 

lo demás fue para mí. Ni siquiera 

tenía ASCAP. No sabíamos que obtuvimos 

regalías de Airplay. Antes 

de [Barrio Fino], todo eran acuerdos 

verbales, apretones de manos, 

intercambios de canciones. Ahora, 

todo requiere un contrato [y una 

compensación monetaria]. Barrio 

Fino cambió no solo la cultura, sino 

el modelo de negocio. 

Cuando se habla de “modelo 

de negocio”, se quiere decir 

que, por un lado, el negocio 

se profesionalizó con contratos 

y convenios. Pero, por 

otro lado, era un nuevo modelo 

en el que conservabas 

tus grabaciones maestras, 

¿correcto? 

Fue adoptado no solo por los actos 

de reggaetón, tengo rockeros, 

salseros que se me acercan y me 

preguntan: “¿Cómo te convertiste 

en tu propio jefe?” Amigo, porque 

no tuve elección. Si nadie quiere 

contratar a un niño talentoso hoy, 

se graba a sí mismo, se produce a 

sí mismo, escribe las canciones y 

diseña el álbum. Crea sus propias 

oportunidades. Tuve que crear mis 

propias oportunidades y se convirtió 

en parte de mi ADN. 

Construiste tu carrera actuando. 

Hoy en día, algunos actos 

nuevos tienen cientos de millones 

de transmisiones antes 

de presentarse en vivo ... 

A eso me refiero: ahora mismo tenemos 

ascensores, no escaleras. Y 

en la música, tienes que subir las 

escaleras para navegar por los altibajos. 

La mayoría de estos niños me 

hablan y lo que veo es que no pueden 

lidiar con los fracasos. Trabajaron, 

aprendieron a usar Pro Tools y 

explotaron. No han pasado por un 

proceso. Entonces, cuando lleguen 

a esa mala racha, que nos pasa a 

todos, ¿cómo lo superarán? Esta generación 

no tiene las herramientas 

que son vitales para la longevidad. 

¿Qué consejo les das? 

Hombre, lo que siempre he aprendido 

a lo largo de los años: ve al 

estudio y haz tu mejor trabajo. La 

música es lo que hablará por ti y 

lo que realmente conectará con tu 

audiencia. Las redes sociales son increíbles, 

pero no generan ingresos. 

Instagram no me genera ingresos. 

Si tuviera Instagram, publicaría 

todo mi contenido allí. Pero Instagram 

no me paga por mi contenido. 

Tampoco Facebook, Twitter o Tik- 

Tok. YouTube me paga. Y Spotify y 

Apple. Esos son mis aliados. Lanzo 

música, te doy contenido y tu plataforma 

crece, pero también la mía. 

Escuché que cuando trabajas 

en una colaboración tienes 

un porcentaje fijo que pides, 

sin importar con quién sea o 

la cantidad de artistas involucrados. 

¿Es eso cierto? 

Si. Este es un tema difícil de abordar 

con los artistas, porque a menudo 

saben muy poco sobre el 

negocio de la música. La forma en 

que lo explico es: “Papi, no estoy pidiendo 

más de lo que valgo. Ahora, 

si me quieres en tu álbum, me gusta 

colaborar, pero no me gusta regalar 

lo que es mío. Entonces, ¿el maestro 

es tuyo? ¿No? Luego, desde el 

principio, trabajo para alguien más 

que para ti. No trabajo para usted, 

colega, sino para quien sea su due- 

ño, su jefe. Soy un jefe, no un empleado. 

No puedes pedirle a un jefe 

que trabaje para otro jefe. ¿Quieres 

colaborar conmigo? Estoy feliz de 

hacerlo, pero recuerda que no necesito 

hacerlo “. Lo hago porque me 

gusta el artista, o me gusta mucho 

la canción. 

¿Alguna vez te pagó a alguien 

por adelantado para 

que grabar contigo? 

Si. Cuando tuve que pagarle a alguien 

por el respeto, lo hice. “Valgo 

mucho” - OK. Siempre he entendido 

el valor de un artista. Si colaboramos 

y me cobra X, está bien. 

La mayoría de mis colaboraciones 

son intercambios, pero recuerde, 

hay una línea muy fina allí. ¿Y si mi 

canción funciona, pero la tuya no? 

Con suerte, ambas pistas funcionan, 

pero no siempre es así, y lo 

entiendo. Entiendo que tienes un 

valor que necesitas que cubra para 

que, al final, estemos todos en un 

buen lugar. 

Pero el negocio es flexible y yo 

soy flexible en muchas áreas. Entiendo 

que a veces estamos hablando 

de momentos culturales en lugar 

de simplemente trazar posiciones. 

“China” [el éxito de Anuel con Karol 

G, J Balvin, Ozuna y Yankee] es 

un buen ejemplo. Lo vi como una 

canción importante para el género. 

Cuando hacemos estas colaboraciones 

con muchos artistas, hay 

ocasiones en las que [acordé dividir 

divisiones] en partes iguales, porque 

es importante para el género. La visión 

cultural es lo que me ha permitido 

adoptar un enfoque de panorama 

general en lugar de simplemente 

centrarme en el éxito. 

Nunca has tenido un manager 

tradicional. ¿Por qué? 

En los últimos años, Raphy Pina 

ha intervenido como socio. Ayuda 

a Mireddys con la gestión, pero yo 

nunca tuve un gerente en sí. Tenía 

ofertas de administración y de 

agencias, pero en ese entonces no 

entendían la cultura urbana latina 

[Yankee ahora está representada por 

WME]. Las agencias ni siquiera tenían 

divisiones latinas. Ahora lo hacen. 

Me invitaron a Coachella [hace 

años], por ejemplo, y la paga era 

ridícula. Seguían diciendo: “Es Coachella”. 

Mi respuesta fue: “Infórmese 

sobre cuál es mi valor y quién es mi 

fan”. Ya estaba tocando en escenarios 

como el Madison Square Garden y 

el Staples Center, ¿me entiendes? 

BILLBOARD.BO 

37

Bueno, tomó muchos años 

para que el reggaetón fuera 

aceptado no solo en el 

mercado estadounidense 

sino también en países como 

México y Argentina. 

¿Qué papel jugaste en eso? 

Me gusta decir que recibí las balas. 

Quería que la gente entendiera mi 

esencia, de dónde vengo, qué represento. 

Pero al mismo tiempo, quería 

llevar mi cultura a lo más alto. No 

puedo decirte que haya una fórmula. 

El reggaetón inicialmente solo se conocía 

en la costa este. Cuando lancé 

Barrio Fino, la costa oeste no lo entendió. 

Iba a Los Ángeles o México 

y la gente conocía a Daddy Yankee, 

pero no sabían qué era el reggaetón. 

Tuve que llevarme la cultura a todas 

partes para que se volviera permanente 

en lugar de desvanecerse 

como otros géneros donde los artistas 

simplemente se promocionan a 

sí mismos. Cuando hice promoción, 

hablé de todos los artistas de mi álbum: 

“Este soy yo. Pero este álbum 

también incluye a Zion & Lennox, 

Plan B, Ivy Queen “. Tuve que tocar 

su música y decir: “Estos son ellos. 

Esto es reggaetón ”. 

Tu álbum actual está incluido 

en tu contrato de distribución 

Universal de hace 

mucho tiempo. ¿Qué habrías 

hecho si no estuvieras bajo 

ese contrato? 

En este momento, ser un indie es 

genial, pero si no tienes un socio 

importante a largo plazo, te comerán 

vivo, porque cada plataforma busca 

sus propios intereses. Pero personalmente, 

si no tuviera el contrato 

de distribución anterior, lanzaría mi 

música de forma independiente en 

todas las plataformas. No me malinterpretes: 

las grandes discográficas 

no irán a ninguna parte. Tienen el 

poder de su catálogo, de cientos de 

artistas, y las plataformas necesitan 

ese contenido. Una persona como 

yo, que tiene apalancamiento, puede 

cerrar tratos directamente con todas 

las plataformas y ganar más dinero. 

Pero, definitivamente, alguien independiente 

explotará, o negociará un 

lanzamiento directamente con Spotify 

y Apple, por ejemplo. 

¿Qué nuevos actos te gustan? 

Todos ellos. Soy 100% pro Bad Bunny. 

Creo que lo que está haciendo es 

realmente importante y lo apoyo en 

un millonésimo grado. Ozuna es un 

gran trabajador. [Anuel] trae la calle 

y el botín de la calle con él. Realmente 

admiro la dedicación de Balvin, 

y ha sido un pilar en traer una 

nueva ola de música de América del 

Sur. Me gusta lo que están haciendo 

Rauw [Alejandro] y Sech. Maluma 

tiene una marca extraordinaria y 

está subestimado. Amo lo que está 

haciendo Karol. 

Es un momento emocionante 

y rentable para la música 

latina en este momento. 

¿Qué desafíos quedan por 

superar? 

Paradójicamente, la ventaja y la desventaja 

son las mismas: tenemos la 

oportunidad de estar en términos 

uno a uno con los fanáticos, pero 

los fanáticos te consumen. Exigen 

tanto que el desafío que tienen los 

artistas hoy en día es: ¿Cuánto tiempo 

puedo durar? Creo que hay una 

base de fans que realmente escucha 

y disfruta la música, y hay una base 

de fans desechable que simplemente 

está buscando la próxima novedad 

y no permite que la música cree 

experiencias en sus vidas. Nosotros 

[los artistas mayores] tuvimos 

la oportunidad de crear fans para 

toda la vida, no solo yo, sino bandas 

de rock, baladistas y salseros que 

llenan los estadios. No tienen las 

mismas transmisiones que tiene la 

generación más joven, pero venden 

más boletos. Estos artistas más jóvenes 

tienen números asombrosos 

porque tienen herramientas increíbles 

a su disposición, pero yo habría 

hecho lo mismo. No puedo ser un 

OG resentido. 

Ahora que se ha vuelto tan 

grande, ¿existe algún peligro 

de que el género se vuelva 

desechable? 

No, no. Por eso nunca me fui de 

Puerto Rico. Entiendo la música 

global, pero nuestras raíces son realmente 

importantes. Esa es nuestra 

identidad y nunca podremos 

perder esa identidad. Y no creo que 

lo hayamos perdido. Hay muchos 

niños haciéndolo, pero pasan desapercibidos. 

Es por eso que nos ven 

a muchos de nosotros grabando 

con ellos, porque reconocemos la 

importancia de la cultura, incluso 

si los números de transmisión aún 

no están ahí. En este momento, hay 

tantos colores para elegir en nuestra 

música. Desde reggaetón hasta trap, 

tropical, tropical urbano, todo está 

funcionando. Se trata simplemente 

de hacerlo bien. 


BILLBOARD.BO 

39

KAROL G 

¿Estás haciendo lo que te gusta, es un 

momento extraordinario? 

Es un momento súper lindo porque estoy apostándole 

100% a lo que siento. Al principio estaba 

muy a la estrategia y ver cómo podía crecer, pero 

ya llegué a un punto donde dije “si voy a hacer 

esto el resto de mi vida, que sea porque me gusta 

y que de verdad me representa”. Este último año, 

mis letras han sido el reflejo de cómo me siento 

como persona, como estoy en el día a día y lo que 

veo que sucede alrededor. Todo se está alineando 

a lo que es Carolina, y no tanto Karol G. 

“El mensaje es amar 

la diversidad” 

La artista ya despliega su “Bichota Tour”, gira por los Estados Unidos 

en la que recorrerá un total de once locaciones y que comenzó el 27 

de octubre en Denver y finaliza el 26 de noviembre en Miami. 

POR SANTIAGO TORRES Y JULIÁN MASTRÁNGELO 

Después de haber sido galardonada 

con los premios Artista Femenina 

del Año Top Latin Song y Top 

Latin Album en los pasados Premios 

Billboard de la Música Latina, la colombiana 

Karol G volvió a escena para anunciar su alianza 

con la empresa Smirnoff. Esta unión busca llevar 

el mensaje de la artista de respetar al otro y querernos 

como somos a nivel global y a todos los 

rincones donde la bebida diga presente. “Muchas 

marcas me han ofrecido trabajar con ellas pero 

si no hay un mensaje puro de fondo no lo hago, 

Smirnoff lo tiene y me encanta que sea ‘amar la 

diversidad”, afirma. 

Dentro del repertorio elegido para el tour, que 

se conforma por las canciones de su último álbum 

KG0516, se encuentra “Tusa”, single que continúa 

hoy con el récord de semanas consecutivas en el 

número uno del Billboard Argentina Hot 100, 

con 24. 

¿Podés disfrutar más ahora que conocés 

la industria? 

Hubo un momento durante la cuarentena donde 

podía salir a pasear, ya que no había shows ni entrevistas 

presenciales, disfrutaba un poco más el 

día a día. La verdad es que ahora mismo tenemos 

la agenda acomodada hasta fin de año de 2022. El 

equipo me dio tres días para irme a las Bahamas 

antes de empezar “Bichota Tour” así que estoy feliz 

por ese lado porque arranco la gira recargada. 

Cuando todo paró yo también paré. Me conecté 

conmigo misma, que es algo que antes 

realmente no hacía porque es una carrera que 

demanda mucho tiempo. En lo personal amo que 

vamos a empezar los conciertos, es mi parte favorita 

porque necesito conectarme con el público 

en directo. 

¿Cuál es tu trago favorito? 

En cuanto a Smirnoff, el de manzana verde. Hace 

mucho tiempo lo tomaba en casa con platanitos 

verdes y guacamole, era prácticamente diario. 

Combinación perfecta. 

¿El empoderamiento femenino es algo 

que tenga fecha límite? 

Es un proceso que no termina nunca. Las mujeres 

vamos a estar presente al 100% como los hombres. 

Es algo que todavía está en proceso porque 

es un estudio y una pelea constante, pero ya es 

algo real. Como mujeres estamos ahí, representando, 

formamos parte de los charts, la industria 

nos respeta… 

Fue un honor para mí que la doble portada de 

Billboard fuera con Daddy Yankee, es el GOAT 

del género donde empezó la carrera de Karol G. 

Una de las cosas que siempre he querido llevar 

con todo lo que hago es la igualdad y la búsqueda 

de querernos como somos y respetarnos entre 

nosotros, es una de las cosas más bonitas que 

me dio esta alianza con Smirnoff. He tenido propuestas 

de marcas pero si no tienen un trasfondo 

puro, el beneficio no es igual. Se van a dar cuenta 

del mensaje tan lindo que hay, que no es otro que 

amar la diversidad. 

¿Significa algo para vos que “Tusa” 

siga manteniendo el récord de semanas 

consecutivas en el Hot 100 Argentina? 

Más que llegue al número uno o que nos den 

premios por ella, lo que es de verdad significativo 

es ver cómo una canción marcó a toda una 

generación. Lo digo con orgullo, no quiero que 

sea algo engreído. La cantaban hombres y mujeres 

por igual, en fiestas, en la casa cuando empezó 

la cuarentena… Es algo muy lindo, mi carrera 

tuvo un antes y un después con “Tusa”. Me di 

cuenta con ella que mi música podía sonar en el 

mundo entero, tanto como Karol G como Carolina 

también. 

FOTO: HEATHER HAZZAN PARA BILLBOARD 

BILLBOARD.BO 

41

NATTI NATASHA 

Celebrar la 

vida a través 

de la música 

La artista dominicana acaba de ser madre de su primera hija junto a Rafael 

Antonio Pina Nieves a la que bautizó Vida y lanzó su segundo álbum, que incluye 

colaboraciones con Maluma, Becky G, Justin Quiles, Miky Woodz, Fran Rozzano, Nio 

García, Farina, La Duraca, Prince Royce, Mambo Kingz, Slow Mike, Bassjackers, Dimitri 

Vegas & Like Mike y la argentina Cazzu. 

POR FLORENCIA MAURO, JOSEFINA ARMENDÁRIZ Y SANTIAGO TORRES 

FOTOGRAFIADA POR: MIGUEL DUCOS 


EXCLUSIVO 

DIGITAL 

en español 

BILLBOARD.BO 

43

A 

una semana de 

lanzar su segunda 

obra y a cuatro meses 

de ser madre, Natti 

Natasha se siente 

feliz, estable y completa. En sus palabras, 

la experiencia materna y este 

nuevo álbum dieron lugar a “una 

vida completamente nueva”. El sucesor 

de Illuminnati es un trabajo con 

17 canciones que cuenta además con 

la participación de productores más 

populares de la escena latina como 

Tainy, Rudeboyz, Sky Rompiendo, 

Luny Tunes, Edgar Barrera, Dímelo 

Flow, DJ Luian, entre otros. La artista 

también convocó al ícono del 

reggaetón, Daddy Yankee, para colaborar 

en composición y producción. 

Natti Natasha es una de las mujeres 

con mayor impacto en la industria 

de la música latina. Actualmente, 

la dominicana permanece en el 

Billboard Argentina Hot 100 con su 

colaboración “Ram Pam Pam” junto 

a Becky G, también parte de Nattividad, 

que se mantiene en el 27º del 

chart. 

Considerada una de las embajadoras 

de la bachata, la artista tomó 

el rol de ejemplo y demuestra que 

la maternidad es compatible con los 

escenarios: “Nattividad es resultado 

de muchos sacrificios y momentos 

lindos a la vez”. 

“El hit cambia y la fórmula 

nunca es una” 

¿Por qué Nattividad? 

El nombre es perfecto para todos 

mis proyectos paralelamente. El 

álbum, mi niña y este renacer de mí 

misma personalmente. Siento que 

resume todo lo que me ha pasado en 

estos últimos años porque definitivamente 

trabajar en un proyecto no 

es fácil y ha resultado en uno de los 

momentos más lindos de mi vida. 

Tener un bebé y trabajar a la vez no 

es fácil, pero cuento con un gran 

equipo de trabajo que gracias a dios 

lo ha permitido. 

¿Por qué priorizaste el reggaetón 

como sonido primario 

en el álbum? 

Tengo la oportunidad de hacer muchas 

cosas y vienen nuevos proyectos, 

pero no hay nada mejor que el 

mundo latino. Nosotros tenemos lo 

que necesitamos. Nosotros tenemos 

energía, hacer ese reggaetón era algo 

que quería hacer, se sentía correcto y 

lo quería así. Siento que el resultado 

es el perfecto. 

¿Cuál fue el aporte de los 

productores? 


Yo tengo los mejores productores 

del mundo. Soy súper fanática de 

Daddy Yankee, que cumple ese papel 

en mi álbum, con Edgar Barrera, 

Chino y más. Todos supieron muy 

bien que yo no quería perder la 

esencia de Natti Natasha. Ahora más 

que nunca, yo estoy representando 

al género urbano, en un mundo en 

el que no iban a entender que yo 

también iba a ser mamá dije: “no 

vamos a perder la esencia de Natti 

Natasha” y me apoyaron. Trabajando 

con productores de esta índole, la 

ganadora soy yo. 

¿Qué te generó el premio 

Billboard Salón de la Fama 

para Daddy Yankee? 

A DY todos lo tomamos como ejemplo. 

Su disciplina, su forma de ser, 

es un ícono, una leyenda viviente. 

Se merece la nominación, el premio 

y más. Ha luchado tanto. Todavía 

tiene la humildad de tener los pies 

en la tierra y siento que eso ya no se 

ve en estos tiempos. Es un ejemplo 

a seguir para muchos talentos que 

están surgiendo. 

¿Cómo incorporaste a tu hija 

en este momento? 

Creo que ella me incorporó a mí. 

Ella me enseñó a tener mucho más 

balance en mi vida, en mi día a día, 

es como un organizar eterno. Siempre 

trato de balancear todo. Ella me 

ha organizado a mí, he aprendido 

mucho con ella. Era lo que me 

faltaba en mi vida. Me siento estable, 

feliz, realizada, me siento completa. 

Una vida completamente nueva. 

¿Se puede ser mamá y artista 

full time? 

La realidad es que en todos los 

videos de Nattividad estoy embarazada. 

Los fans estaban esperando 

tanto un proyecto y yo tenía que 

darles algo completo, con audiovisual, 

todo. No sabía cómo iba a 

quedar después del embarazo. La 

verdad que nunca me ha gustado 

pausar mi carrera, a mí me encanta. 

No me gusta estar muy tranquila, 

sentada, y siento que es un ejemplo 

para mi hija ver que su mamá siguió 

trabajando, luchando, peleando por 

lo que ella quiere. Más que nunca 

tengo que respaldar este proyecto 

y que ella es parte de este proyecto. 

Gracias a Dios me dio la energía, 

no para todo el mundo es igual, 

pero dije “por si acaso no tuviera la 

energía después, voy a hacer todo lo 

que pueda antes”. 

¿Cómo ves la posición de las 

mujeres en la industria? 

Realmente hay un movimiento de 

mujeres que está tomando protagonismo 

en la industria. Sí, definitivamente, 

mucho más que antes. Las 

redes sociales fueron parte de eso, 

dieron la oportunidad a mostrar el 

trabajo con mayor facilidad. 

¿Sentís que con Becky consolidaron 

ese movimiento 

al crear una colaboración 

juntas? 

Yo soy pro colaborar. Siento que, 

de esa manera, uno siempre se 

mantiene a flote, uno mantiene el 

movimiento arriba, especialmente 

en las mujeres. Mantener un movimiento 

que antes no existía. Becky y 

yo fuimos la primera colaboración 

mundial donde dimos el ejemplo de 

que se puede ser exitosa aún así colaborando 

y de esa manera pudimos 

crecer y marcamos una diferencia. 

Soy de República Dominicana, 

la cuna del reggaetón, y siempre 

tomé como ejemplo la colaboración 

porque ahí colaboraron desde el 

inicio, antes que las redes sociales 

existan, veía las colaboraciones y esa 

unión siempre fue ejemplo para mí, 

siempre estuvo. 

¿Qué quedó de tus inicios 

cantando en la iglesia? 

Fue mi formación. Fue eso lo que 

me llevé de Santiago, en República 

Dominicana. Todos los momentos 

de tu vida son muy importantes y 

son caminos que te llevan a lo que 

quieres ser. Dios es una parte esencial 

de la vida de Natalia Gutierrez. 

¿”Un imposible amor” es un 

“cuento breve”? 

Ríe). Creo que es el cuento más 

largo que puede existir. Un cuento 

breve es ese amor que pensabas que 

iba a perdurar en la eternidad y se 

esfumó. 

¿A veces cuando tenés “Un 

Imposible Amor”, necesitás 

que tu corazón se vuelva 

“Frozen”? 

Hubo un momento en mi vida en 

el que mi corazón estaba “Frozen”, 

y fue calentando hasta estar como 

está hoy. 

¿Y hoy cómo está? 

Hoy mi corazón está completo. Hoy 

está vivo “Hasta que salga el sol”. 

Ya por fin siento que tiene lo que 

necesitaba. 

¿Qué hacés antes de que 

salga el sol? 

Antes de que salga el sol doy leche, 

me mantengo despierta más de lo 

que pensaba, sigo muy creativa en 

mi cabeza, puedo estar con la bebé 

en un brazo y pensando cosas para 

hacer. 

¿Fue la colaboración con 

Maluma saldar una cuenta 

pendiente? 

Hace muchísimo tiempo quería 

colaborar con Maluma. Es un artista 

“Nattividad es resultado 

de muchos sacrificios y 

momentos lindos a la vez”. 

tan querido, tan talentoso. Encontré 

mucha química, tenemos una linda 

relación hace muchos años, pero 

hasta que no estaba la canción perfecta 

no se daba la colaboración. En 

mi caso, tenía la maqueta, la composición 

de Edgar Barrera. Pensé que 

era el color perfecto para Maluma. 

Pero de ahí a que dijera que sí tenía 

que gustarle y conectar con ella. 

Él dijo que sí y fue una bendición. 

Siento que la dinámica de la canción 

es bastante interesante. 

¿Qué cosas no querés saber? 

“No quiero saber” nada negativo. 

Esa es una canción que escogí, canté, 

interpreté, pero es especial porque 

tenía las maquetas de las otras canciones 

y cuando me enteré 

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de que estaba embarazada, me tomé 

el atrevimiento de hacer más, hacer 

todo lo que yo quiera hacer aquí. Un 

día buscaba la manera de hacerla 

en español, pensaba que era una 

canción tan delicada que no quería 

dañarla. Quería que sea espectacular 

y diferente. Me grabé para las redes 

sociales y el mismo día me escribió 

Chino, un productor, con una 

canción para mí. Esa fue una luz 

divina, tenía meses dudando cómo 

hacerla, pensando cómo no dañar la 

versión original, y lo logré. La hice 

con “Hablando de Mí”, una canción 

un poquito descarada, me tomé el 

atrevimiento, me fui a mis tiempos 

de Nueva York. Hice muchas canciones 

que sentía que tenía que hacer 

ahora. 

¿Tu música refleja tus “crisis 

positivas”? 

Es un arma de doble filo, cuando das 

todo tu sentimiento a las canciones 

por cosas que te han pasado, es 

como que volvieras a ese momento 

de tu vida. Esa es la única forma de 

sacar ese sentimiento e interpretar y 

llevar el mensaje que quieras llevar 

en la canción. Te da la oportunidad 

de expresarte y que las personas 

que escuchan conecten porque 

pasaron algo similar. Lo hice asunto 

mío, porque sabía que tenía que 

mantener mi esencia, lo comuniqué 

a todos. Daddy Yankee fue compositor, 

productor y una parte esencial 

y me entendió. Le dije: “Estoy embarazada 

y quizá allá afuera mucha 

gente no va a entender que sigo 

siendo Natti Natasha, aunque vaya 

a tener una criatura, pero en este 

momento es más importante para 

mí romper ese cliché y decir que 

puedo ser feliz en todas mis facetas 

porque voy a poder seguir haciendo 

música porque soy feliz”. Y mi 

manera de demostrar que soy feliz 

y de ser un ejemplo para mi hija es 

que yo nunca cambié quién yo soy. 

Como con mis fanáticos, para poder 

ser feliz para ella, necesito ser feliz 

yo también. 

¿Qué no puede faltar en una 

canción tuya? 

Yo trabajo mucho en que mi esencia 

se mantenga. Creo que la gente 

conecta con mi esencia. Siempre 

soy Natti Natasha. Siento que las 

canciones resaltan porque es una 

bendición de Dios. Me preocupo 

mucho porque me gusten, no hago 

algo que no me guste. No importa 

qué género, qué color. Puede ser un 

reggaetón, una bachata, un dancehall, 

pero tiene que ser algo que me 

encante por completo. 

¿Qué opinás de la legalización 

de la marihuana? 

Es una decisión muy personal. 

Conozco personas que lo hacen por 

salud, y creo que mientras no les 

hagan daño a otras personas, está 

bien. Yo lo hice en un pasado, ahora 

mismo no, pero no me ha afectado. 

Definitivamente no voy en contra. 

¿Qué mensaje querés dar 

sobre la música latina? 

Que la música se trata de ser creativo, 

de hacerlo muy a tu manera. 

Esos días que me veían tímida era 

yo queriendo mostrar todo mi 

esplendor, pero sin saber si me iban 

a aceptar de la forma que yo quería. 

Como lo hice con este disco, aun 

estando embarazada, dije: “Voy a 

seguir siendo yo porque eso es lo 

que he implantado desde el primer 

día y es como siempre me van a 

conocer”, lo más transparente y real 

posible. Las canciones las hice en 

una etapa de mi vida muy difícil al 

principio, que luego se tornó demasiado 

hermosa. Con toda la energía 

del mundo, que sigan de la manera 

que van que esto se trata de seguir 

con disciplina, rajando la carretera, 

demostrando quién eres con buena 

música. 

SHOW: LUCHO SIERRA. NIÑOS: ARCHIVO PERSONAL MYR 


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LOLA ÍNDIGO 

Un éxito con 

acento español 

La cantante y bailarina oriunda de Granada estuvo de visita en Buenos Aires en el 

marco del lanzamiento de su segundo álbum La Niña, que cuenta con el single “La niña 

de la escuela” junto a TINI y Belinda, que lleva 17 semanas en el Billboard Argentina 

Hot 100. 

POR FLORENCIA MAURO Y JULIÁN MASTRÁNGELO 


EXCLUSIVO 

DIGITAL 

en español 

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Desde su nacimiento 

en 1992, Miriam 

Doblas - nombre 

verdadero de Lola Índigo 

- se caracterizó 

por su pasión por la música, el baile 

y el arte en general. Previo al comienzo 

de su carrera como cantante 

y artista multifacética, la española 

se desempeñó como profesora de 

baile, llegando a participar en musicales 

en sitios dispares como China 

o Los Ángeles junto a artistas como 

Chris Brown, Miguel Bosé, Enrique 

Iglesias o Marta Sánchez, entre muchos 

otros. 

Ya en 2017 dio sus primeros pasos 

como cantante, llegando a participar 

del programa Operación Triunfo, 

un reality show español dedicado al 

crecimiento de promesas del mundo 

del entretenimiento musical. Sin embargo, 

no fue hasta 2018 que lanzó 

su primer single bajo el nombre de 

Lola Índigo, “Ya No Quiero Ná”, con 

el que logró ingresar al Top 50 de 

Spotify y superar a día de hoy los 90 

millones de reproducciones en su canal 

oficial de YouTube. 

Akelarre, su primer disco de estudio 

se lanzó a la venta el 17 de mayo 

de 2019, incluyendo diez canciones 

originales como “Mujer Bruja”, junto 

a Mala Rodríguez; “Maldición”, 

con Lalo Ebratt o “Fuerte”, videoclip 

que cuenta a día de hoy con más de 

13 millones de reproducciones. 

Días atrás, vino por primea vez 

a la Argentina para promocionar 

su música e incluso sorprendió 

al presentarse en el escenario con 

“Dime Como Hago”, de María, en 

aleatorio en Spotify, y me volvió 

loca. No sabía quién era ella y la 

empecé a seguirla al instante. Es 

un amor, es una persona cariñosa, 

generosa, muy humilde, talentosa… 

la amo”, dice sobre ella. “María 

pensó la idea del remix, lo comentó 

por arriba y durante la cuarentena le 

mandé un mensaje y le dije: 'Si vas 

a hacer remix de “High”, yo estoy. 

Cuenta conmigo que te mando todo, 

ya se hasta lo que quiero hacer. 

En España va a ir de lujo'”. A los 

días me escribió para decirme que 

TINI se había subido y me flipé, ya 

tenía pensada una colaboración con 

ella así que la verdad que estuve encantada”, 

recuerda. 

“Hoy estoy muy bien, súper, muy 

feliz de estar aquí en Buenos Aires”, 

abrió la charla con Billboard AR. 

¿Se pueden hacer paralelismos 

entre tu historia y el 

disco? 

Sí, además es un disco muy variado, 

tiene R&B, reggaetón, twerk, pop 

punk… 

¿Te gusta dar “2 besos” o “4 

Besos”? 

Por mi daría “4 Besos”, acá en Argentina 

me cuesta mucho acostumbrarme 

a dar uno solo, siempre quedo 

colgada con el segundo. 

¿Jugabas con los Tamagochi? 

Tuve, pero siempre se me morían 

porque soy un poco desastre para 

.¿Te dejan sin palabras cuando 

te dicen: ‘’No sé qué 

decir’’? 

Una vez se me declararon, yo estaba 

borracha y yo ya quería besar y 

demás, pero esa persona me frenó 

y me dijo que le gustaba de verdad, 

que sentía cosas reales por mí y yo 

no sabía que decir. Es muy raro dejarme 

sin palabras a mí, pero esa fue 

una declaración súper sincera que 

me revolvió todo. 

¿Imaginabas el éxito de "La 

Niña de la Escuela?" 

Ni de coña. "Ya no quiero Ná" alcanzó 

el status de himno en España, 

fue muy importante para mucha 

gente. Salió en verano, tuvo un 

mensaje muy chulo y en la calle la 

gente me cantaba la melodía y ahora 

cuando me ven por la calle dicen: 

‘’ella es la niña de la escuela’’. Estoy 

feliz porque lo he vuelto a hacer. 

¿Alguna vez algo te salió 

como el “Culo”? 

Si, muchas veces, me he equivocado 

mucho. Debemos normalizar que 

los artistas nos equivocamos, tenemos 

derecho a hacerlo, a cambiar 

de opinión, a desafinar, a hacer lo 

que sea porque somos humanos, no 

somos robots, no podemos tener el 

control de todo. 

Pero llegó Khea y salió un 

buen “Culo”… 

Llego Khea y salió un “Culo” increíble, 

estos días he conocido a la estilista 

que le hizo el look a él y hablábamos 

de lo impresionante que que- 

“Debemos normalizar que los 

artistas nos equivocamos, tenemos 

derecho a hacerlo, a cambiar de 

opinión, a desafinar”. 

LOLA ÍNDIGO 

ña. Somos como hermanos. Ahora 

sacamos una colaboración en su 

disco, nos queremos y admiramos 

mutuamente. Con Lyanno me hubiera 

encantado hacer el video de 

la canción porque la amo, pero al 

menos me queda un recuerdo con 

una artista que me encanta, su voz, 

su flow es lo más. 

¿Tenes alguna “Calle” favorita? 

El Paseo de los Tristes de Granada, 

pese a su nombre no es nada triste, 

es el lugar más bonito de Granada 

para mí. 

¿Qué te hizo sentir el contacto 

con los fans de Argentina? 

Mucha emoción, saber que escuchan 

mi música desde tan lejos 

es emocionante, internet nos ha 

cambiado la vida y la pandemia me 

acerco a este país con “High Remix”, 

voy a estar siempre agradecida a 

María y a TINI. 

¿El rosa te identifica con las 

niñas o con la inocencia? 

Con la inocencia. No me gusta decir 

que el rosa es un color de niñas ni 

de niños, para mi es el color de pureza, 

inocencia, de Britney en “Baby 

One More Time”. 

¿Cuál es la mejor lección 

que la música te dio? 

Quizás que cada uno tiene su manera 

de hacer el arte y que todos 

resonamos y latimos de una manera 

diferente, todo es válido. 

TINI y María Becerra: junto a ellas 

cantó “High Remix” y “La Niña de 

la Escuela”. 

Con María Becerra fue la primera 

vez que se vieron en persona, ya 

que, si bien coincidieron en “High 

Remix” lanzada en el verano de 

2020, debido a las restricciones de 

la pandemia no pudieron conocerse. 

“Recuerdo que una vez me salió 

casi todo, los shows y los ensayos es 

lo único que domino. 

¿Sos muy obsesiva con tus 

shows? 

Soy muy controladora de absolutamente 

todo, es un problema que me 

tengo que quitar, vivo segura de que 

las cosas van a salir bien si se hacen 

como yo quiero 

dó el video. Amo a Khea, lo admiro 

un montón, le estoy muy agradecida 

y espero verlo pronto. 

¿Cómo se dio el acercamiento 

con los artistas que 

colaboran en el disco? 

Con Guaynaa nos hemos llevado 

bien desde que nos conocimos, nos 

la hemos pasado increíble en Espa- 

¿Pensás que es el momento 

de la canción en español? 

Sí, conviene aprovecharlo y hacer 

juntes con gente de fuera. Yo misma 

estoy intentando tirar cositas con 

gente que canta en inglés y me parece 

brutal. Es increíble que sea al 

revés y que ellos quieran colaborar 

con artistas que cantan en castellano, 

casi nunca fue así 


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YOUNG BLADE 

“Mi principal inspiración 

es mi familia” 

La carrera del músico y productor Lewis Pérez, conocido como Young Blade, está 

creciendo en la escena latinoamericana luego de su éxito “Mantecado de coco”. 

POR VITTORIO LEMA Y BENJAMÍN GARCÍA 

FOTO: GENTILEZA YOUNG BLADE 

Así es, la actualidad del artista 

muestra que su canción “Mantecado 

de coco” ya superó los 40 millones 

de reproducciones entre Spotify y 

YouTube y fue galardonado con el Disco de Oro, 

certificado por RIAA (Recording Industry Association 

of America). 

“Al principio con “Mantecado de Coco” ocurrió 

que tenía las voces y la idea pero me faltaba 

la plata para invertir en el tema. Luego ocurrió lo 

que todos ya saben, hicimos la canción y lo demás 

es historia”, reconoce el músico. 

A lo largo de su carrera, con tan solo 26 años, 

ha colaborado con artistas de la talla de Nio García, 

Bryant Myers, Alex Rose y nada ni nada menos 

que Arcángel, uno de sus referentes. 

Actualmente, la joven promesa del género urbano 

se encuentra trabajando bajo el sello JUNGL 

de Jaime Cosculluela, reconocido productor de la 

música latinoamericana. 

¿Influyó la pandemia en “Mantecado de 

coco”? 

Sí, salió a los pocos días de comenzada la pandemia. 

Creo que si no hubiera venido todo lo que 

vino seríamos aún más grandes de lo que somos. 

Por suerte la pegamos, pero como siempre digo es 

más difícil mantenerse que pegarla. 

¿Qué hiciste durante ese periodo? 

Me encerré a grabar mucho. En todo momento. 

La use para mejorar mis temas, para hacer nuevas 

canciones y dio resultado. Usé la pandemia a mi 

favor. Escribí cerca de cien canciones. Hay varias 

que se están trabajando ahora mismo. Todo lo 

que va a venir salió en pandemia. Estoy por lanzar 

una canción que se llama Valentino y la idea 

es sacar un tema mensual fijo. 

Acabas de lanzar el sencillo Instagram 

junto al reconocido Bryant Myers. 

¿Cómo surgió esa canción? 

La canción la escribimos juntos durante la pandemia. 

Es un tema fresco que por suerte tuvo muy 

buena recepción en la gente. Al video lo grabamos 

en Miami, quisimos mostrar la química que hay 

entre nosotros y creo que se logró. 

¿Cómo es tu proceso de grabación? 

Habitualmente escucho un beat, le doy un tarareo 

y ahí nomás monto la letra. Hay veces que ni siquiera 

escribo las letras. Creo que por eso mismo 

mis canciones salen tan duras y la gente se identifica 

tanto. No escribo falacias, hago lo que siento. 

¿Qué es lo que más te inspira a la hora 

de escribir? 

Mi inspira mucho la vida, pero sobre todo mi familia 

y las personas queridas. Ver la cara de ellos 

viendo mis shows es lo que más me inspira. 

¿Cuáles son tus mayores influencias? 

Tengo tres: Arcángel, Don Omar y Tego Calderón. 

Pero sinceramente no sueño con ser como 

ellos. Realmente quiero crear una nueva historia, 

no quiero trazar la historia que otro recorrió. 

¿Qué es lo que más te gusta de poder 

vivir de la música? 

Muchas cosas. Nunca hubiera imaginado tener 

una entrevista con Billboard. Este tipo de cosas 

recalcan lo que yo siempre digo. Todo lo que te 

propongas lo podés lograr siempre y cuando trabajes 

fuerte, los sueños nacen durmiendo pero no 

se concretan durmiendo. Hay que tener disciplina, 

hay que tener hambre. Todo los días hay que 

darle como si fuera el primer día. Yo voy al estudio 

todos los días. 

¿Cuáles son tus principales objetivos 

en la música? 

Que mi familia pueda estar bien gracias a mi 

talento. Yo no sueño con ser Daddy Yankee, Bad 

Bunny, Don Omar, Anuel AA, yo sueño con 

que mi familia esté bien gracias a mi trabajo. Mi 

sueño no es ser como fulano, yo quiero comprarle 

una casa a mi papá y que mis hermanos 

estén bien. 

“Todo los días hay que darle 

como si fuera el primer día. Yo 

voy al estudio todos los días”. 

- YOUNG BLADE 

¿Qué consejo le darías a las nuevas generaciones 

de artistas que están dando 

sus primeros pasos? 

Que le hagan caso a su corazón. Tengo familiares 

que me decían “suelta eso que no vas a ser cantante”. 

Hoy en día mantengo a esa familia. Hay que 

trabajar para ser feliz. Hay que trabajar fuerte, todo 

el que trabaja fuerte obtiene sus recompensas. 

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FOTO: GENTILEZA ORGASMO

ORGASMO 

“Hay que reinvertir en la banda” 

El grupo oriundo de Tarija se formó en 2014 y hasta la fecha cuentan con dos discos de 

larga duración: No me vengas a mamar, de 2017, y Equimosis, lanzado en 2020. 


El género predilecto de los ahora 

cinco tarijeños es el rock, influenciado 

por bandas como Molotov o Red Hot 

Chili Peppers y música negra como el 

funk y el soul. Uno de sus fuertes es el vivo, en 

donde aprovechan para potenciar sus canciones al 

combinar virtuosismo, potencia y ritmos bailables. 

“Para nosotros es muy gratificante saber que hay 

personas que escuchan nuestras canciones, es 

esencial, soñamos esto desde que empezamos con 

el proyecto”, reconocen. 

¿Cómo fueron sus comienzos? 

Nos formamos sin antes haber pasado por otra 

banda, nuestro principal objetivo era divertirnos 

e intentar tocar un poco de música. Nuestras 

principales influencias son las bandas que mezclan 

el funk con el rock y que tienen personalidad 

como Red Hot Chili Peppers o Faith No More, 

por ejemplo. 

¿Qué bandas bolivianas los han influenciado 

o escuchan actualmente? 

Escuchamos de todo, hay muchas bandas que nos 

gustan. El Grillo Villegas, en todas sus formaciones, 

nos parece alguien fundamental para la música 

de nuestro país, también Matamba nos encanta, 

todo lo que hace y sobre todo sus shows en vivo. 

¿Actualmente cómo producen sus 

canciones? 

Las últimas canciones las estamos maqueteando 

en nuestras computadoras, pero una vez que terminemos 

de definir los temas se los pasaremos a 

productores para que los trabajen de otra forma. 

La idea para nuestro próximo trabajo es que esté 

producido por productores internacionales, con 

el objetivo de buscar otro sonido en la banda. La 

idea de Orgasmo es evolucionar permanentemente. 

A cada uno de nuestros discos los hemos 

grabado de distintas formas, siempre tratamos 

de innovar. 

¿Cómo es Orgasmo dentro del estudio? 

Al principio íbamos con una idea más clara al 

estudio, a la antigua, en el segundo disco fue 

distinto, algunos temas ya estaban grabados y 

“Creo que nos gustaría tocar 

en Argentina, muchos rockeros 

han dicho que es el mejor 

público”. 

- ORGASMO 

luego los mandamos al estudio, y en este último 

que estamos preparando va a ser en su mayoría 

a distancia. 

¿Cómo se ven de acá a cinco años? 

Sería un sueño tener muchas más canciones y 

discos. Pase lo que pase externamente ojalá que 

sigamos creando música, poder evolucionar más 

y ser más profesionales en algunos aspectos que 

creemos que nos faltan. De todas formas, no nos 

atrevemos a pronosticar en el tiempo después de 

todo lo que pasó con la pandemia (risas). 

¿Hay algún show favorito que hayan 

dado en el último tiempo que les haya 

gustado? 

El primer concierto que dimos fue una sensación 

única, al ser la primera vez y ver a tanta gente fue 

una sensación inigualable, también hay otro show 

en Sucre que fue muy cool y la gente se emocionó 

demasiado. En ese show había gente llorando, la 

gente nos pedía autógrafos. Pero cada una de las 

tocadas tiene lo suyo. 

¿Y cuál sería su show soñado? 

Creo que nos gustaría tocar en Argentina, 

muchos rockeros han dicho que es el mejor público. 

No sé, pensamos en el Teatro Coliseo de 

Buenos Aires, por ejemplo, con todo el público 

conectado. 

¿Qué consejo le darían a las nuevas 

generaciones de músicos que recién 

comienza? 

Lo más difícil son los primeros pasos. Hay que 

animarse y hacerlo con actitud, obviamente después 

hay momentos en los que te vas a frustrar, 

que te vas a preguntar por qué no buscaste algo 

que te de satisfacción momentánea, pero es un 

largo camino. Pero cuando lleguen esas satisfacciones 

va a ser inmejorable. La música trasciende 

y se siente y eso es inigualable. 

¿Cómo ven el panorama actual de la 

música en Bolivia? 

Creemos que de a poco va evolucionando. Se 

puede vivir de la música hoy en día. Hay que 

organizarse bien y administrarse. Eso es fundamental. 

Hay que reinvertir en la banda. Creemos 

que también es importante, al comienzo, tratar de 

ganar dinero por otra parte y que eso no condicione 

tu música, que muchas veces se corrompe 

porque los músicos necesitan dinero y terminan 

resignando su esencia. 

BILLBOARD.BO 

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GARY SUÁREZ 

“Quiero que la gente vuelva a 

creer en el amor” 

Recientemente, con el objetivo de seguir expandiendo sus 

fronteras musicales y darle visibilidad a artistas que están dando 

sus primeros pasos, lanzó “Me gustas”, junto a la joven promesa 

Cami Pavisic. 


Luego de la canción “Nena tranquila”, la 

carrera de Gary Suárez cambiaría para 

siempre. Con este hit, que actualmente 

en Spotify supera las 230 mil reproducciones, 

el músico nacido en Cochabamba pudo 

abrir el show de Bad Bunny en Bolivia ante tocar 

ante 30 mil personas e ingreso a importantes 

playlists de música latinoamericana. 

“Estoy muy agradecido de esta canción, porque 

hasta el día de la fecha es la que más alegría me 

dio y con la que el público más se ha identificado”, 

reconoce Gary. 

“Con Cami nos conocimos en la presentación 

de Billboard Bolivia y tuvimos una conexión que 

hizo posible esta canción al ritmo del reggaetón 

romántico”, explica el autor de “Adiós amor”. 

¿En qué te inspiras para escribir tus 

letras? 

Así es, la mayoría de mis canciones hablan de 

amor. Últimamente vengo escuchando canciones 

que dicen que las mujeres tienen que tener muchos 

hombres y yo quiero darle una vuelta a eso. 

La idea es que la gente vuelva a creer en el amor 

y es por eso que antes de escribir una canción me 

propongo contar lo bonito que es estar enamorado. 

Simplemente eso. 

me enseñó mucho del género urbano. También 

algo que escuché y voy a escuchar toda la vida son 

Los Kjarkas. De afuera hoy en día me gustan mucho 

Camilo y Sebastián Yatra, esa línea de letras 

limpias y mensajes positivos que tienen ellos es lo 

que estoy buscando. 

¿Cómo nació “Nena Tranquila”? 

Es una historia que viví y que sentí en su momento 

con mi pareja. El objetivo fue que la gente se 

identifique con la canción. Y creo que lo logré. Al 

comienzo tardó en popularizarse, pero cuando 

empezó a sonar en Radio Disney todo cambió. 

Después, Spotify la empezó a agregar a listas y 

empezó a sonar mucho más. Luego sucedió lo que 

todos saben, la canté ante 30 mil personas antes 

del show de Bad Bunny. Esa noche me fui a casa 

llorando de la emoción, nunca me había pasado 

algo similar. 

¿Cómo te ves de acá a cinco años? 

Me veo en los premios Billboard, haciendo colaboraciones 

con artistas internacionales. También 

me gustaría apoyar a nuevos talentos locales, veo 

una falla muy grande en composición acá en Bolivia, 

aunque en el último tiempo de a poco está 

empezando a cambiar. 

FOTO: GENTILEZA GARY SUÁREZ 

¿Compones solo todas tus canciones? 

¿Cómo es el proceso? 

Compongo todos mis temas, desde muy pequeño. 

Primero empecé con boleros y canciones románticas 

del estilo de Luis Miguel. Hoy en día estoy enfocado 

en el reggaetón. Mi mayor momento de inspiración 

llega cuando estoy de resaca, al otro día de 

haberme agarrado una borrachera. Ahí es cuando 

escribo mis mejores canciones porque me pongo 

sentimental y se me abre el corazón. Las melodías 

van surgiendo cuando me pongo a escribir, me 

encanta componer, hay veces que tengo bloqueos 

pero agarro el lápiz y algo surge. Pienso que hoy estoy 

en mi mejor momento, dándolo todo. 

Mencionaste a Luis Miguel, ¿qué otros 

artistas locales e internacionales te 

inspiraron? 

En mis comienzos me inspiró mucho J Louis, él 

¿Qué pensás que le falta a la industria 

musical boliviana? 

Aquí hace falta una escuela para jóvenes para que 

desde pequeños aprendan a tocar instrumentos. 

Falta fomentar un poco todo eso. 

¿Vos cómo llegaste a la música? 

La música en mi caso viene de familia. Siempre 

en casa se escuchó música y hubo instrumentos. 

Mi padre fue quien me la inculcó. Estoy totalmente 

agradecido, sin él no podría haber elegido 

esta profesión tan bonita. 

Has cumplido con varios de tus objetivos ¿Cuál es 

tu mayor sueño? 

Hacer música es lo que más me gusta, es un 

sueño que ya cumplí. En futuro me gustaría retirarme 

habiendo aportado un granito de arena 

para la música y para mi país. Me gustaría trazar 

un camino para futuras generaciones. 

BILLBOARD.BO 

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ABRAHAM MATEO 

“ L-Gante me sorprendió, dejamos 

material grabado en el estudio” 

El videoclip de “Repetíamos” fue dirigido por Willy Rodríguez y producido por Javier 

Bores desde su compañía Júpiter Films entre Almería y Madrid. 

POR JULIÁN MASTRÁNGELO 

Desde que comenzó su carrera 

artística con tan solo seis años, Abraham 

Mateo ha estado en la escena de 

la música hispana a base de singles, 

álbumes y colaboraciones con algunos de los 

artistas más influyentes del mundo – 50Cent en 

“Háblame Bajito”, Yandel y Jennifer Lopez en “Se 

Acabó el Amor” o Manuel Turizo en “No Encuentro 

Palabras”, entre otras -. 

“Gente como 50 Cent, por ejemplo, que me 

brinda su amistad, para mí es una bendición y 

lo valoro un montón”, afirmó. Hace dos semanas, 

el joven artista publicó a través de sus plataformas 

digitales “Repetíamos”, hoy en día con 

más de 1.4 millones de reproducciones en su 

canal de YouTube. El videoclip fue dirigido por 

Willy Rodriguez y producido por Javier Bores 

desde su compañía Jupiter Films entre Almería 

y Madrid. 

¿Te dicen que en tus canciones tienes 

tonos centroamericanos? 

Lo tengo tan interiorizado que me sale sin darme 

cuenta. A veces está el boricua, el colombiano… 

Pero siempre tengo presente mis raíces y voy 

agregando este toquecito español, que al final es 

lo que me identifica. 

¿Seguís en contacto con los artistas 

con los que trabajaste? 

Yo también me sorprendo mucho, cuando te vas 

encontrando con personas en el camino y llegas 

a colaborar con ellos, llevas la relación a un lado 

más personal. Gente como 50 Cent, por ejemplo, 

que me brinda su amistad, para mí es una bendición 

y lo valoro un montón. Es una de las personas 

que más me sorprende y más me confirma el 

refrán de “las apariencias engañan”, es de la calle y 

es alguien realmente humilde. 

¿Durante la cuarentena estuviste trabajando 

desde tu casa? 

En casa tengo de todo, estoy equipado. La producción 

es una cosa que siempre me ha gustado, 

era mi sueño tener mi propio estudio de grabación 

en casa. Me sirve hoy en día para producir, 

grabar y también para la producción de otros 

artistas, que es algo que empecé hace poco. Estoy 

todo el día ahí metido haciendo canciones. 

¿Te gustó el riesgo en la escena del 

auto en el videoclip de “Repetíamos”? 

Así fue, tuvo su riesgo, pero al final mereció la 

pena. Visualmente quedó muy potente y nos 

gustó muchísimo. Me gustó mucho porque soy de 

arriesgarme, de hacer las cosas yo mismo y tirar 

para adelante. 

¿Le dedicas mucho tiempo al baile? 

Le dedico mi tiempo, sí, es una cosa que me gusta 

y siempre me ha gustado. Es una forma adicional 

de expresarme y en los conciertos siento que la 

gente lo agradece y le da un plus importante. 

El público en Argentina te está esperando… 

Estoy deseando volver a Argentina, es un país 

con el que siempre he tenido mucha conexión. 

Me ha gustado mucho estar por ahí, me recuerda 

mucho a Madrid y la gente tiene una vibra brutal. 

El asadito, dulce de leche, el mate… Además, hay 

grandes artistas y tengo muy buenos amigos por 

allí. 

¿Tienes presente la escena urbana 

nacional? 

Me siento muy contento por lo que está pasando 

en la Argentina con el panorama urbano. Está saliendo 

una cantidad de artistas con un flow brutal 

y disfruto mucho viendo los nuevos talentos que 

emergen, es digno de admirar. 

¿Dirías algún nombre? 

Justamente hace un mes estuvo en mi casa L-Gante, 

que es un artista que me gusta, su flow y la personalidad 

que tiene sobre todo. Me sorprendió la habilidad 

que tiene para escribir los versos tan rápido. Es 

uno de los artistas con los que se puede venir algo 

próximamente, es más, dejamos algo grabadito en el 

estudio que ojalá pueda ver la luz pronto. 

FOTO: GENTILEZA SONY MUSIC 


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la productora audiovisual asociada a 

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DANNY OCEAN 

“Me di cuenta del poder que tiene escribir 

desde el corazón” 

El artista venezolano lanzó recientemente “Tú no me conoces” junto a TINI. 

POR JOSEFINA ARMENDÁRIZ 

En 2016, “me rehúso” cambió la vida 

de Danny Ocean de la noche a la mañana. 

El cantautor venezolano abrazó el éxito 

con calma y editó su primer álbum en marzo del 

2019. Ahora, comienza una nueva etapa camino 

al sucesor de 54+1 con su segunda colaboración 

oficial: “Tú No Me Conoces”, junto a TINI. El 

artista ya había colaborado con la artista colombiana 

Karol G en “Miedito o Qué?”. El reto más 

grande de Danny luego de “Me Rehúso” fue separarse 

de su creación y seguir adelante: “Como un 

bebé que se fue de su casa, ya tiene hijos y familia, 

y tú tienes que seguir cultivando en tu casa. Cada 

canción tiene su propio camino y el tiempo va a 

determinar tu marca y tu nombre”, comparte. 

Lo más importante, el hit le indicó el camino 

más noble: la honestidad. “Me di cuenta 

del poder que hay cuando uno escribe desde el 

corazón”. 

¿Cómo te sentís con el lanzamiento? 

Increíble. Es una locura, salió con mucho poder. 

Es mi segunda colaboración oficial de mi música. 

Estoy feliz de haberla hecho con Martina, tenía 

un año la canción. Fue muy orgánico. Nos conocemos 

hace tres años y siempre decíamos de hacer 

algo. Hice la canción en México, se la mandé, 

le gustó y salió. El timing fue perfecto también, 

no esperaba estar aquí para el lanzamiento. 

¿Por qué TINI? 

No sé, imaginé su voz ahí. Sentí que era un 

universo donde encajábamos los dos. La canción 

habla de la libertad del amor, de lo rico que es 

un amor libre, de la verdad, de poder decir en 

la comunicación. Sentí que era bonito, un tema 

que podíamos compartir. Ella podía decirme con 

confianza si le gustaba o no y le gustó mucho. 

¿Qué significa Argentina para vos? 

Cada vez que vengo a Buenos Aires descanso. 

Duermo, me reseteo, estoy en paz, me siento 

tranquilo. Caminar por Palermo me hace sentir 

en paz. Tengo muchos amigos acá, pero también 

me siento bien solo. Me siento conectado con la 

gente, más allá de la diferencia cultural, siento 

que somos personas de carácter fuerte. Buenos 

Aires es una de las ciudades con más flow de Latinoamérica. 

Más allá de lo cultural, es la paz que 

me da. Ver la gente aquí, la vida cotidiana, cómo 

pega el sol, es especial. Aquí me siento tranquilo. 

Vivo en Miami y allá es todo muy agitado, aquí 

está eso también, pero es más tranquilo, artístico. 

No sé describirlo y me encanta, si te lo dijera con 

exactitud perdería un poco la magia. 

En tiempos en los que las canciones 

expiran con mayor velocidad, “Me Rehuso” 

continúa creciendo… 

No sabía lo que estaba creando, nunca lo supe. 

Hasta el sol de hoy estoy impactado por todo lo 

que ha logrado esa canción. Cumplió cinco años 

el mes pasado y sigo recibiendo mensajes, videos, 

comentarios de gente que ha conectado y es mágico. 

Es mágico cuando una canción sobrepasa las 

barreras que no habías esperado nunca. Porque 

para mí siempre fue una canción personal. “Me 

Rehúso” me cambió la vida, me cambió la vida de 

la noche a la mañana. Hoy sigo preguntándome 

qué pasó, qué fue y no se puede explicar. Creo 

que cuando una canción conecta, conecta. Esa es 

la magia de la música 

¿Hacés música por eso? 

Sí. Mi música está muy conectada con lo que yo 

vivo personalmente. Necesito vivir para escribir. 

Cuando estoy escribiendo, no estoy pensando en 

si va a llegar al palo o no, simplemente pienso en 

cómo me siento y después le busco la vuelta, si es 

funcional. Con “Me Rehúso” el timing fue clave, 

también el verbo, no es nada típico. Y, al final 

de todo, veo que fue algo honesto. Me di cuenta 

del poder que hay cuando uno escribe desde el 

corazón. No estoy pensando si va a ser funcional 

a la discoteca o no, en mi cabeza quiero que sea 

lo más cercano a lo que yo sienta. La practicidad 

y comercialidad está después, la semilla es lo más 

importante. 

FOTO: GENTILEZA WARNER MUSIC 


T1419 

“Queremos salir a conocer a 

nuestros fans en persona” 

La banda cuenta con una tropa de seguidores en el mundo a los que 

bautizaron oficialmente con el nombre de “Edelweiss”. 

El grupo juvenil masculino de 

K-pop T1419 regresa más fuerte que 

nunca con nueva música. Luego de 

su debut musical con “Before Sunrise 

Parte 1- Asurabalta”, seguido del tema “Before 

Sunrise Parte 2- Exit”, lanzaron “Before The 

Sunrise Parte 3” -“Flex”. T1419 se destaca por la 

diversidad cultural que existe entre sus integrantes: 

cinco son de ascendencia coreana y cuatro 

son japoneses. 

“Flex” fue co-escrito por Bull$Eye y Keepintouch, 

ambos han trabajado en conjunto con 

el grupo desde sus inicios. Contiene fusiones 

de EDM (música house) y Hip-Hop toma un 

giro drástico de música clásica al incorporar el 

sampleo del famoso “Sonata de Piano No. 8 de 

Beethoven” para luego volver a implementar 

EDM y Hip-hop. El tema representa, un mensaje 

profundo sobre el amor propio y sobre tomar 

conciencia de uno mismo. La banda ha sido destacada 

por íconos latinos como Daddy Yankee 

y Natti Natasha. Además, presentaron “FLEX” 

por primera vez en su debut televisivo en América 

Latina, para la 2da edición de los Premios 

MonitorLatino. 

¿Qué tal se llevan con las vibras latinas? 

A veces escuchamos la música. Creemos que es 


una buena experiencia, nos gusta mucho. Nos 

gustan las vibras, mucha gente la conoce más 

ahora por aquí. 

¿Tienen influencias del dubstep en la 

música, en “Flex”? 

Nuestra canción está muy influenciada por el pop 

de otros países. 

¿Están listos para vivir esta vida de montaña 

rusa con el tour? 

¡Por supuesto! Siempre soñamos con salir de gira, 

visitar Latinoamérica es un sueño y estamos muy 

felices de ir. Creemos que la vida de montaña rusa 

de los shows nos va a gustar porque queremos salir 

a conocer a nuestros fans en persona. Creemos 

que los fans latinos nos dieron el amor y la fuerza. 

Por eso sigue nuestra pasión. Todo lo debemos a 

nuestros fans. 

¿Cuánto de artes marciales hay en su 

música? 

Hay un montón de artes marciales en nuestro 

sonido y nuestras presentaciones. Pasamos 

numerosas horas y años hasta llegar acá como 

artistas de K-pop. Hay mucha preparación y es 

más que “artes marciales”, abarca muchos aspectos 

más. 

¿Esperaban este crecimiento? Esa 

unión… 

Pensamos que en la cultura esta música nos hace 

uno. 

¿Trabajan en proyectos de gaming? 

Estamos muy interesados en las nuevas tecnologías 

y diversas iniciativas. Estamos buscando 

unirlas con nuestros proyectos, como por ejemplo 

estar con los fans sin estar físicamente con ellos. 

Queremos participar más en proyectos de esa índole. 

Creemos que la música se relaciona mucho 

con el gaming y los fans lo hacen también. Queremos 

usarlo como un modo de llegar a nuevos 

fans también. 

¿Qué es lo mejor de su fandom? 

Estamos honrados de tener muchos fans en otros 

países, sobre todo a los que no podemos ir. Su 

pasión sigue intacta y eso es increíble. Lo más 

sorprendente es tener muchos fans en muchos 

países, nos gustaría decirle a cada uno lo mucho 

que los amamos. 

¿Creen que en el futuro todos vamos a 

tener un solo lenguaje? 

Son difíciles los idiomas, sí. El español es difícil, 

pero suena interesante y nos interesa mucho la 

cultura Latinoamericana, así que algunos aprendemos 

español. También, creemos que el idioma 

global es la música. 

¿Por qué T1419? ¿Qué sucede antes del 

amanecer? 

Es por “Teenager 1419”. Contamos historias en 

música y acá hablamos de las dificultades del 

crecimiento de la adolescencia, las complicaciones 

del mundo. Es el nombre del álbum porque 

siempre está oscuro antes de que sale el sol. Estos 

álbumes quieren hablar de historias de crecer, 

volverse adultos. La oscuridad del mundo antes 

del amanecer. 

FOTO: GENTILEZA NEVAREZ PR 


ALEJANDRO SANTAMARÍA, OVY ON THE DRUMS Y ADSO 

“Para nosotros ha sido increíble” 

“Se Fue” es una composición de los tres artistas junto a Keityn, quien ha sido la 

mente detrás de algunos éxitos como “TUSA” de Karol G, “HAWAI” de Maluma y 

“QUÉ MÁS PUES?” de J Balvin y María Becerra, entre muchos otros. 

POR JULIÁN MASTRÁNGELO 

La letra de “se fue” habla del 

amor no correspondido, cuenta la historia 

de una relación que termina porque 

no funcionó y en la que no hay marcha 

atrás. Ovy On The Drums también fue el productor 

de la canción y Mosty el encargado de la mezcla 

y masterización. 

En este tema, el colombiano Santamaría retoma 

beats urbanos combinados con el pop, resaltando 

la versatilidad para combinar letras y nuevos 

sonidos. En el video oficial los artistas son los protagonistas 

presentando a cada uno en su entorno 

cotidiano, mostrando un poco del backstage y desarrollando 

en varios escenarios lo que es el día a 

día de su trabajo, incluyendo el cariño que tienen 

con sus fans. El video fue grabado en la ciudad de 

Medellín, bajo la dirección de Kath Díaz y la productora 

2Wolves Film. 

Santamaría recientemente se conectó con sus 

seguidores en un concierto exclusivo para Tik- 

Tok. El artista fue nominado en los Latino Music 

Awards 2021 en la categoría “Artista Revelación 

del Año” y ya suma varias nominaciones ratificando 

el ascenso que ha venido desarrollando su 

carrera musical. El cantautor colombiano ha compartido 

escenario con artistas de la talla de Alejandro 

Sanz, Luis Fonsi, Fonseca, Morat, entre otros. 

“Para nosotros ha sido increíble. El tema salió 

hace muy poco y la verdad es que le está yendo 

muy bien. Han ocurrido un par de cosas que cambiaron 

mi carrera, como salir en Times Square, 

por ejemplo”, dice Alejandro Santamaría. 

Adso, felicitaciones por tu colaboración con 

Rusherking y Micro TDH también. Cuánta conexión 

que hay entre Latinoamérica… 

Adso: Es un remix que la gente estaba pidiendo 

mucho. Literalmente quise hacerlo con un amigo 

de la infancia que es Micro TDH, es alguien súper 

talentoso. Después nos metimos en el terreno argentino 

que es súper fuerte y súper leal, llamamos 

a Rusher, que para mí es uno de los más rudos de 

la nueva camada. 

¿Cómo nace la canción? 

Ovy: La idea principal nace en mi estudio una tarde. 

Mi equipo estaba hablando con el de Alejandro 

para hacer una canción y sentí que esta era la 

adecuada para hacerlo. Fue increíble la participación 

de Adso porque le sumó demasiado. Los tres 

pudimos hacerle un coro muy bueno con nuestras 

voces y lo catalogaría como un Pop con una increíble 

propuesta musical. 

¿Qué pueden contarnos acerca del 

videoclip y todas las referencias cinematográficas 

que tiene? 

Alejandro: Me acordé de una anécdota que nos 

pasó con el “borrador de memoria” de Men In 

Black. Había entendido que tenía que apuntar el 

láser a la cámara y todo el mundo me gritó para 

que frenara porque si tocaba el lente, chau cámara. 

En post producción tuvieron que agregarle el láser. 

¿Ovy el público se sorprendió con tu 

faceta como cantante? 

Ovy: Me han llegado comentarios de la gente y de 

colegas que me dicen que cada vez lo hago mejor. 

Es una nueva etapa de Ovy On The Drums en la 

que empezamos a cantar así que estamos desarrollándola 

de a poco. 

¿Cómo recuerdas tu show en TikTok 

Alejandro? 

Alejandro: Era muy necesario y gracias a Dios 

han aparecido shows como ese, donde estuvimos 

con un gran equipo de producción y cámaras profesionales. 

Hubo casi 14 mil personas conectadas 

y siento que estuvo brutal. Ahora ya estamos buscando 

eventos en vivo, estoy haciendo una gira de 

colegios junto a una emisora de Colombia, estamos 

retomando que es lo más importante. 

FOTO: GENTILEZA ALEJANDRO SANTAMARÍA 


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FOTO: POPI GRAÑA

MARAMA 

“Queremos hacer canciones 

con artistas de otros géneros” 

Después de un tiempo de separación y con la pandemia de por medio, 

el grupo regresó para “volver a la alegría de los veranos 2015, ’16 y ’17” – 

años en los que lograron más de 1000 millones de streams con 

“Loquita”, “Nena” o “Noche Loca”. 


Ya no llora” fue la canción elegida 

para su regreso después de cuatro 

años y a día de hoy ya cuenta con más 

de 10 millones de reproducciones en 

su canal oficial de YouTube y logró llegar al Top 

10 del Billboard Argentina Hot 100. 

Además, también confirmaron el comienzo de 

su gira por Latinoamérica, que tendrá lugar en 

el Antel Arena de Montevideo el 17 de diciembre. 

Con motivo de su regreso, la banda pasó por 

nuestros estudios para hablar sobre la producción 

hoy en día, el respeto hacia la cumbia y el destino 

de Marama como grupo. 

¿Quiénes fueron los primeros que llamaron 

para el regreso? 

El regreso de Marama está pensado desde principios 

de este año. Los chicos seguían tocando junto 

a Agustín en su carrera solista, yo era el único 

que no estaba haciendo nada referido a la música. 

Me llamó Agus y me habló sobre el proyecto para 

ver si quería volver. 

Agus, ¿qué diferencia hay entre ser solista 

y sentir la compañía de la banda? 

Agustín: La principal diferencia es la toma de 

decisiones y la compañía que uno puede tener. 

Salimos todos juntos, siento que es mucho más 

divertido también. En cuanto a las decisiones, 

le da un aire a Marama distinto, es una lluvia de 

ideas y funciona muy bien. 

¿Cuánto riesgo había en cuanto a la elección 

del sonido de “Ya No Llora”? 

Agus (productor): Riesgo había muchos. Estuvimos 

toda la pandemia pensando en si íbamos a 

jugar al Marama de antes o buscábamos la innovación 

manteniendo lo clásico. Hasta hace dos 

o tres meses no lo teníamos claro. Tomamos la 

decisión de ir por lo clásico y con pequeños sonidos 

que uno escucha y ya son característicos. No 

queríamos perder la identidad. 

Mati, ¿pensaste en algún momento que 

se habían olvidado de ustedes? 

Matías: Hablábamos siempre sobre los temas 

que tenemos y realmente le tengo mucha fe. 

Agus, ¿cuán grande fue Marama previo a 

la cuarentena? 

Agustín: Si bien lo manejamos bastante bien, 

siento que nos sobrepasó en un punto. Fue un 

cambio de vida para todos. Tan fuerte fue que 

nuestros planes de acá a un futuro es vivir de la 

música para siempre. Siento que la banda se solidificó 

y consolidó tanto que nos va a permitir trabajar 

de esto por muchos años. Nuestra vida está 

dedicada a la banda, 100%. 

¿Cómo recuerdan la época donde Marama 

era protagonista? 

Fue una evolución. Fue el camino de la música 

en español. En 2016 la cumbia todavía no estaba 

consolidada, luego se fue consolidando y esto fue 

muy bueno. 

¿La cumbia hoy tiene más respeto? 

Creo que sí, mucho más respeto. Incluso a nuestras 

vidas personales pasó eso. Gente de otro palo 

en Uruguay que decía: “Estos tocan tres acordes y 

ya está…” Cuando se llega al Luna Park o a Viña 

del Mar, la gente te empieza a respetar un poco 

más. 

¿Sienten que globalizarse es más posible? 

Agustín: Sí, sobre todo porque la idea de Marama 

en esta nueva etapa es hacer canciones con artistas 

internacionales de otros géneros. Todavía no 

hicimos feats ni mezclamos géneros y sentimos 

que puede ser interesante sumar artistas de otro 

palo, cualquiera sea. Escuchar a María Becerra, 

Tiago o Duki cantar una canción de Marama sería 

muy interesante por poner un ejemplo. 

¿Los artistas en Uruguay siempre estuvieron 

presentes al igual que hoy? 

Uruguay mira a la Argentina y Argentina mira a 

Estados Unidos o Norteamérica. Es una cadena 

que es fantástica y que siempre pasó. Hoy en 

día está más fuerte. La realidad también es que 

Marama en un montón hizo parte de esa globalización 

de la música uruguaya. Hoy por hoy, 

artistas en Uruguay hay muy buenos y está muy 

bueno que se empiecen a integrar. Es un mercado 

muy chiquito y quizás por eso también venimos 

a la Argentina. Nos sentimos parte de esa 

responsabilidad. 

¿Cuánto Rock & Roll tiene o ha tenido 

Marama? 

Tuvo y sigue teniendo. Al principio quizás no tanto 

pero cuando se empezó a crecer ya se agregó a 

las rutinas, giras y shows. 

Agus, ¿qué pasó con el regreso de Marama para 

vos y tus fans? 

Agustín: Aunque no lo crean, hay mucha gente 

que no estaba de acuerdo con la situación porque 

se iba a sumar fandom del “exterior”, como ellas 

lo dicen. Es una sensación extraña porque las fans 

son casi una familia virtual. Tuvimos que charlar 

con ciertas personas que quizás no entendían 

bien la situación pero entendieron que si algo me 

hace feliz, lo tengo que hacer. 

¿En qué festival entraría Marama? 

No sabemos si festivales, pero hemos estado en 

España y diferentes ciudades recorriendo así que 

diría que eso sería lo ideal, pasar uno o dos meses 

recorriendo mientras tocamos. 

BILLBOARD.BO 

69

FUEGO 

“El mundo necesita trabajar en 

equipo para llegar al éxito” 

Recientemente presentó una nueva versión de su éxito “Una Vaina 

Loca” junto al artista argentino, Duki, y a Manuel Turizo. 

Miguel ángel durán, conocido 

artísticamente como Fuego es hijo 

de padres dominicanos y comenzó 

su carrera musical en el 2005, donde 

se presentó con su canción “Me Gustan Todas”. 

A lo largo de estos años, el cantante no solamente 

se ha dedicado a presentar canciones, sino 

que también fundó su propio sello discográfico: 

Fireboy Music. Dentro de esta compañía, Fuego 

presentó en 2010 su álbum La Música Del Futuro, 

que debutó en el puesto Nº36 del Billboard 

Top Latin Álbums – esta producción le valió la 

nominación al Premio Lo Nuestro 2011 a Mejor 

Artista Urbano -. Meses más tarde llegaría lo que 

se considera hoy en día como su más grande hit: 

“Una Vaina Loca”, el primero de sus singles en superar 

los 20 millones de reproducciones en You- 

Tube. “Esa canción fue la que me llevó a cantar 


por toda Sudamérica y Europa. Imagínate, solo 

para grabar el video oficial estuvimos tres días sin 

parar de cantarla una y otra vez”, afirma. Este año, 

esa canción volvió a decir presente, pero esta vez 

junto a Duki y Manuel Turizo. La versión remix 

ya superó los 20 millones de reproducciones en el 

canal de YouTube del artista. 

¿Llevas la cuenta de cuántos años de 

carrera tienes? 

Más o menos. Hacemos música, lo que amo hacer, 

hace 15 años. 

¿Cuál es la diferencia principal entre la 

nueva generación y el momento cuando 

empezaste? 

Hay muchas más herramientas para promocionar, 

sacar música, producir… Antes era más difícil 

porque era todo físico. Las plataformas ayudan un 

montón, permiten la conexión y la difusión mucho 

más rápido. 

¿Cómo te mantuviste durante el paso 

del tiempo? 

Creo que existe una evolución. Intento que mi 

música evolucione, no soy un enamorado de ningún 

tiempo. Eso me mantiene a mí innovando me 

parece, porque a lo que todos le dicen “género”, yo 

lo veo como pistas, ya sea de cumbia, reggaetón, 

trap… 

¿Cómo fue la elección tanto de Manuel 

como de Duki en “Vaina Loca”? 

La música de Manuel siempre me ha gustado, 

me volví su fan desde el momento que compartimos 

escenario en un show hace algunos años. 

Con Duki tenemos una relación más de amigos, 

compartimos mucho tiempo en el estudio y hemos 

hecho varios trap juntos, incluso un EP que 

nunca salió. Para mí es uno de los top tres de mis 

artistas favoritos en la música urbana. 

¿Crees que la bachata está en un momento 

de renovación? 

Pienso que es el momento de sacar ese tipo de 

música bailable, bachata, dembow, la propia “Vaina 

Loca”… La bachata con trap tiene la particularidad 

de poder usarse en fiestas, clubs y todo tipo 

de ámbitos, eso es lo bueno de este tipo de música. 

¿Sentís que el artista hoy en día es 360? 

El artista es todo ahora mismo. Estamos en un 

momento donde la independencia vale mucho 

más que antes. Para los artistas que quizás están 

pensando en hacer negocios, quiero decirles que 

es el momento más fácil para ser independiente y 

promocionar su música. 

¿Hasta qué grado podés delegar los 

beats y la composición? 

La música siempre se hace en equipo, ya sea compositor, 

productor, el cantante o quién sea. En mi 

caso particular, me gusta que la mezcla la haga 

Kevin, sé que lo hace muy bien, me encanta y se 

lo dejo a él. Pienso que todo el mundo necesita 

trabajar en equipo para llegar al éxito. Un hitazo 

se hace al trabajar con más gente y que cada uno 

cumpla su papel. 

¿Cuándo verá la luz tu próximo álbum y 

cómo estás organizando tus giras? 

En el 2022 quiero ir para la Argentina y para España. 

Estamos hablando para poder hacer todo 

y además estoy trabajando en mi álbum de trap 

y hip-hop. Estoy haciendo otro remix de otra 

canción antigua mía con varios exponentes de 

RD y demás países. Quiero sorprender con más 

remixes. 

¿Por qué estás revalidando tu catálogo? 

Hay gente que no las ha escuchado, eso primero, 

pero también quiero volver a hacerlas con el sonido 

de este 2021, aunque sin perder la esencia. 

FOTO: GENTILEZA FUEGO 



FOTO: GENTILEZA BMG

Duran Duran / Nick Rhodes 

“Future past es de lo más 

ecléctico de nuestra carrera” 

El tecladista de la banda habló con Billboard Argentina sobre su próximo disco, el futuro 

de la histórica banda inglesa y recordó sus shows en Buenos Aires. 

POR WALTER GARRÉ Y BENJAMÍN GARCÍA 

El 22 de octubre duran duran hizo 

público Future Past, decimoquinto álbum 

de la banda. El disco, que se vio interrumpido 

por la pandemia, cuenta con la producción 

de Giorgio Moroder ,Erol Alkan y Mark Ronson, 

y con invitados especiales como el guitarrista de 

Blur Graham Coxon; Mike Garson, pianista histórico 

de David Bowie; y Lykke Li, quien aportó su 

voz en algunas canciones. 

“El año pasado con la llegada del virus tuvimos 

que freezar la producción. Eso nos permitió mirarla 

con otros ojos, tomar distancia, tener una 

visión más amplia y cambiar algunas decisiones”, 

afirma el tecladista Nick Rodhes, uno de los fundadores 

del grupo surgido a fines de los setenta en 

Birmingham. El músico reconoce que a pesar de 

todos los problemas que trajo el virus, musicalmente 

el parate les aportó una energía positiva que 

les permitió pulir mejor la producción del álbum. 

Con Future past, los creadores del mega hit mundial 

Ordinary World, que alcanzó el puesto número 

1 en el ranking Billboard de Estados Unidos, volverán 

a las bateas y a las plataformas digitales con un 

disco de estudio, el sucesor de Paper Gods, de 2015. 

¿Cómo hacen para mantener la esencia 

sin repetirse? 

Es difícil. A nosotros particularmente siempre nos 

gustó cambiar un poco las cosas. Cada vez que encaramos 

un nuevo proyecto nos gusta probar nuevos 

caminos, pero sin perder el estilo y el sonido 

que nos caracteriza. No nos gustaría que el público 

diga que nuestras canciones son todas parecidas. 

Por eso siempre intentamos cosas nuevas. 

¿Qué buscaron en las colaboraciones? 

En el disco hay de todo. Por ejemplo “Falling” 

tiene algo de música clásica y un poco de jazz, es 

algo dentro de todo nuevo para nosotros. También 

tenemos algunas canciones con un sonido más 

electrónico y bailable, producidas por Giorgio 

Moroder. En “Hammerhead”, nos fuimos más para 

el lado del rock groovero, aunque también hay rap. 

Y después tenemos a “More joy”, que parece una 

canción sacada de un videojuego. La hicimos con 

Chai, una banda punk de chicas japonesas. 

¿Ya habían trabajado con Giorgio 

Moroder? 

Nunca lo habíamos hecho juntos. Es un músico 

y productor completamente admirado por nosotros. 

Fue un lujo en vida y un sueño hecho realidad. 

Estamos muy contentos con toda la gente 

que se sumó a este proyecto. Siempre es positivo 

y enriquecedor compartir música con colegas que 

uno admira. 

¿Es uno de los discos más innovadores 

de su carrera? 

Posiblemente sea uno de ellos. También es uno 

de los álbumes más eclécticos de nuestra historia. 

Logramos que al escucharlo sea impredecible. 

¿Recordás la última vez que tocaron en 

Argentina? 

Si, fue la tardecita en el marco del festival Lollapalooza, 

de 2017, en Buenos Aires. Fue un show 

increíble para nosotros, el público sudamericano 

es fantástico, pero el mejor de todos sin dudas 

es el de Argentina. Cada vez que tocamos haya 

quedó impresionado, tienen algo en la sangre que 

no lo tienen en otros países. Recuerdo que por la 

cucaracha sentía un ruido particular y a medida 

que iba a avanzando el show me di cuenta que era 

el público. Cantaba todas las canciones, eran una 

especie de orquesta de Duran Duran, eso no se 

encuentra muy seguido. 

¿Cuándo creen que volverán a tocar en 

Argentina? 

Si todo sigue bien en el mundo calculo que 

el próximo año. Los extrañamos así que nos 

encantaría volver cuanto antes a Sudamérica y 

particularmente a Argentina. Son uno de los 

primeros en la lista. 

¿Cómo influye la emoción del público 

en el vivo? 

Amamos ver al público divirtiéndose. Es lo que 

más nos pone felices. Cuando pasa eso en un show 

nos damos cuenta que nuestras canciones llegan al 

corazón de la gente. Y si podemos lograr eso para 

nosotros ya es un éxito. Es lo que más nos llena. 

¿Cómo vivieron la vuelta? 

Fue espectacular, nos habíamos olvidado de lo 

increíble que es tocar en vivo para tanta gente. 

En cada uno de los recientes shows notamos que 

la gente está muy agradecida, mejor que nunca. 

Tocamos en nuestra ciudad de origen y fue alucinante. 

Yo, particularmente, tengo muchas ganas 

de ir a ver un show en vivo, todavía no lo hice. 

En los comentarios de sus shows 

mucha gente destaca que la voz de 

Simon (Le Bon) sigue intacta, ¿cuál es 

el secreto? 

La verdad es que no lo sé. Pero tienen razón, la 

voz de Simon está sonando mejor que nunca. 

Todos sentimos eso en la banda. Él es muy cuidadoso 

con su voz, hace todos los calentamientos 

vocales que existen, tiene talento y además les 

pone mucha pasión a sus performances. Está en 

un gran momento. 

BILLBOARD.BO 

73


Natalie Pérez y Guaynaa 

“Hicimos ‘Tus Besos’ por puro 

amor al arte” 

Luego de presentar “Espaguetis” junto a Lisandro Skar, Natalie Pérez llega con su primera 

colaboración internacional. 

POR JULIÁN MASTRÁNGELO Y JOSEFINA ARMENDÁRIZ 

FOTO: GENTILEZA GABY JURADO 

Detox”, “espeguetis” 

y ahora “Tus Besos”. 

En este nuevo single, 

Natalie Pérez se vuelva 

a desafiar a sí misma: 

amplió sus horizontes sumergiéndose 

en un reggaetón y fue más allá 

de la Argentina al convocar al puertorriqueño 

Guaynaa. 

“Tus Besos” marca una primera 

vez para ambos: por el lado de 

Natalie, es su primera colaboración 

internacional. Del lado de Guaynaa, 

es la primera vez que se une a 

un argentino en una canción. Todo 

comenzó con un mensaje de Instagram 

de la cantante y actriz al artista 

puertorriqueño, quien viene de 

sumarse a Sebastián Yatra en el hit 

“Chica Ideal” y reversionar “Cumbia 

a la Gente” con los míticos Ángeles 

Azules. Sobre “Tus Besos”, Guaynaa 

comparte: “hicimos esta canción 

por puro amor al arte”. “Cuando 

vaya a Argentina o cuando me vaya 

de este mundo, quiero que una de 

las canciones por las que me recuerden 

sea esta”, agrega. 

El sencillo fue producido y mezclado 

por Nico Cotton y Mateo 

Rodo y masterizado por Javier 

Fracchia. La edición vocal estuvo a 

cargo de Francesco Mazza y el charango, 

violín y acordeón de Santi 

Alvarado. 

Guaynaa, fue un año movido: 

colaboraciones con Los 

Ángeles Azules, Sebastián 

Yatra… 

Guaynaa: Sí, qué te puedo decir. 

Una época de reinvención. Gracias a 

dios hemos logrado capitalizar y lo 

más importante es que hemos crecido 

como seres humanos. Gracias 

por las felicitaciones y a Argentina 

porque está siendo partícipe de 

todos los logros que conseguimos. 

Natalie, en “Detox” habías 

probado nuevos géneros 

como la rumba y la cumbia, 

¿cómo te sentiste con este 

reggaetón? 

Natalie: Con este reggaetón suave, 

como le digo porque hay hasta 

violines en la banda sonora, me 

sentí súper cómoda. Escucho todo el 

tiempo reggaetón. Soy fan admiradora 

de Guaynaa. Siento mucha 

alegría, tomó mucho trabajo terminar 

esta canción, que hoy estemos 

charlando por ella, que se vaya a 

presentar el video en una avant premiere 

me hace sentir muy orgullosa 

y agradecida. 

Todo empezó con un mensaje 

en Instagram, ¿no? 

Natalie: Sí, el mensaje es el lei-motiv. 

Pero bueno, hoy en día todo lo 

hacemos por Instagram. Tu marca 

de ropa preferida, el chico que te 

gusta, yo llegué a hablar con Robbie 

Williams por Instagram. Le escribí 

a Guaynaa, no me respondió, le 

volví a escribir, le mandé un video 

con el piano y después activamos la 

charla. Hoy es un hermano. Siento 

admiración total por él, estoy súper 

contenta. 

¿Por qué Guaynaa? 

Guaynaa: Quería que alguien 

cantara la segunda parte de la 

canción, sentía que tenía que romper 

con algo. Es un poco a lo que 

estamos acostumbrados ahora, que 

alguien de otro estilo se sume a 

darle otro sabor a la canción. Quería 

que fuera un hombre, de estilo 

rap, reggaetón. Soy súper intuitiva 

y siempre me dejo guiar por eso. 

Venía escuchando una playlist con 

varias canciones de Guaynaa y me 

gustó su vaina, su energía, que me 

hacía bailar. 

Guaynaa, en el videoclip te 

vimos en la pantalla grande 

y a Natalie mirándote, 

¿cómo te sientes ahí?, un 

Guaynaa actor importante 

Guaynaa: Es mucho más de lo que 

he pedido, mucho más de lo que 

pensé algún día. Estoy agradecido 

con la vida y creo que el agradecimiento 

es una de las mejores 

frecuencias de vibraciones en los 

pensamientos para que el universo 

atraiga el progreso. Estoy más que 

agradecido con esto también, no 

solamente porque es lo correcto, 

sino porque estoy feliz con lo que 

tengo, feliz de lo que estoy siendo 

parte, de lo que está saliendo, de lo 

que estamos promocionando. Me 

tocó ser parte de esta canción muy 

especial y una de mis canciones favoritas, 

es real. Es una de mis Top 5. 

Esperemos que el pueblo argentino, 

latinoamericano y del mundo la 

reciba de la misma manera. 

¿Cuándo fue la última vez 

que fueron al cine? 

Natalie: Yo anoche, no voy a decir 

la película porque era tan aburrida 

que empecé a enviar emails. Por ese 

lado, confío en las recomendaciones 

de Lele, mi novia. 

Yo a grabar el video, pero hace 

mucho no voy. Extraño mucho la 

situación de ir al cine, ojalá pueda 

ir pronto. 

¿Qué significa la canción 

para cada uno? 

Natalie: Estoy emocionada, a 

punto de llorar casi. Después de 

tanto trabajo, verlo materializado, 

este momento de compartir. Fue 

mucho esfuerzo, mucho deseo. Hoy 

Guaynaa me da la mano, me abre la 

puerta, comparte su talento conmigo 

y me emociona. 

Guaynaa: Compartir esta canción 

con el pueblo argentino, que sea la 

primera colaboración con Argentina, 

me enorgullece mucho. Soy 

un artista que se toma su tiempo, 

me gusta hacer las cosas bien y con 

calma. Voy para mi tercer año de 

carrera y todavía no he sacado mi 

álbum, pero me gusta hacer las cosas 

bien. Estoy afilando cañones para el 

cono sur y hoy llega esta propuesta 

con todo el amor y cariño para Argentina, 

es especial. Quiero ir y que 

canten y coreen esta canción con el 

corazón en la mano. No solamente 

porque es mi primera colaboración 

con un artista de Argentina, sino 

porque nosotros hicimos esto por 

puro amor al arte. Aquí hay un sacrificio 

enorme, el equipo de Natalie, 

Natalie, nosotros, estamos arriesgando 

nuestras vidas. Cuando vaya 

a Argentina o cuando me vaya de 

este mundo, quiero que una de las 

canciones por las que me recuerden 

sea esta. 

Natalie: Seguro te recibirá bien 

Guaynaa, sos muy cálido. Tan cálido 

como fiestero, que es todo lo que nos 

gusta a nosotros. 

¿Qué significa el beso para 

ustedes? 

Natalie: Primero, si un primer 

beso funciona, probablemente 

pueda funcionar compartir un 

rato más después. Si hay buena 

química, probablemente te veas 

otra vez. A mí me encanta, soy re 

besuquera, para mí los besos son 

importantes. Por eso hicimos una 

canción, imaginate si no nos gusta, 

los besos son pura entrega y amor, 

como esta canción. 

Guaynaa: Para mí un beso significa 

un intercambio. No solamente 

de fluidos, sino de energía, de vibraciones, 

de tensiones, de muchas 

cosas. Cuando vas a darte un beso 

con una persona, más allá de la 

boca con boca, significa muchas cosas. 

Si se da con la persona correcta, 

tiene mucho efecto. Es un buen intercambio. 

BILLBOARD.BO 

75

A 

ÁLBUMES DEL MES 

Ed Sheeran 

“=” (Equals) 

El artista entregó la 

cuarta edición de la serie 

de álbumes con símbolos. 

Con canciones compuestas 

en un período de cuatro años 

tras su álbum seminal ‘÷’ (Divide), 

‘=’ muestra a Ed evaluando su vida y 

sus relaciones a medida que explora 

los diversos grados del amor (‘The 

Joker And The Queen’, ‘First Times’, 

‘2step’), de la pérdida (‘Visiting 

Hours’), la resiliencia (‘Can’t Stop 

The Rain’) y la paternidad (‘Sandman’, 

‘Leave Your Life’), y también 

procesa su realidad y su carrera 

(‘Tides’). Compuesto y grabado en 

Suffolk, Londres, Suecia y Los Ángeles, 

el álbum cuenta con la producción 

de Ed Sheeran, FRED – No.6 

Collaborations Project – y Johnny 

McDaid – Divide -, y con la composición 

y/o producción adicionales de 

Steve Mac, Joe Rubel, Amy Wadge, 

Foy Vance, Elvira Anderfjard, David 

Ho, Andrew Watt, Lou Bell, Natalie 

Hemby y Ben Kweller. El hermano 

compositor de Sheeran, Matthew, 

también aporta arreglos de cuerdas 

en ‘First Times’ y ‘The Joker And 

The Queen’. Ed Sheeran comentó: “= 

(Equals) es realmente un álbum personal 

que significa mucho para mí. 

Mi vida cambió en gran medida en 

los últimos años: me casé, tuve una 

hija, experimenté la pérdida y reflejo 

todos estos temas en el álbum. Lo 

veo como la obra de mi madurez y 

estoy entusiasmado por compartir 

este nuevo capítulo con ustedes”. 

Don Toliver 

“Life of a Don” 

se trata del segundo 

trabajo discográfico de 

Don Toliver. El artista 

fue distinguido por 

Apple Music como Artista Up Next 

y nombrado Rookie of the Year por 

Rap Caviar de Spotify. Luego de su 

mixtape debut de 2018, Donny Womack, 

Don Toliver regresó a la escena 

con la presentación de su segundo 

álbum, Life Of A Don. El álbum 

incluye colaboraciones con artistas 

como Kali Uchis, Baby Keem, HVN, 

SoFaygo y Travis Scott en los singles 

“Flocky Flocky” y “You”. Con su gira 

homónima con entradas agotadas en 

la mayoría de las ciudades, Toliver 

continúa su viaje por Norteamérica. 

Recientemente convocó a la cantante 

ganadora del GRAMMY Kali 

Uchis para su single ‘Drugs N Hella 

Melodies. Filmado en Medellín, Colombia, 

el video dirigido por Nabil 

Elderkin transmite un gancho musical 

sobre la producción psicodélica 

de Loshendrix [Kehlani, SZA], 

DJ Dahi [Kendrick Lamar, Childish 

Gambino] y Dylan Wiggins. El 

mismo se basa en el guión dinámico 

del video inicial dirigido por Nabil 

Elderkin para ‘What You Need. Recientemente, 

Don Toliver fue convocado 

por Kanye West junto a Kid 

Cudi para el single “Moon”, incluido 

en su álbum DONDA. 


Nicki Nicole 

“Parte De Mí” 

Consolidada como una 

de las artistas más 

influyentes de su generación, 

el pasado 29 de 

octubre Nicki Nicole presentó su 

esperado segundo álbum. Parte De 

Mí, un trabajo discográfico personal 

y versátil, que cuenta con colaboraciones 

con Rauw Alejandro, Trueno, 

Bizarrap, Mon Laferte, Dread Mar 

I, Snow Tha Product, Tiago PZK, 

Delaossa, Mora, Ptazeta. Anteriormente, 

Nicki había presentado 

“Colocao”, “Mala vida”, “Verte” junto 

a Dread Mar I y Bizarrap, “Toa la 

vida” junto a Mora, “Me has dejado” 

junto a Delaossa, “Pensamos” junto 

a Mon Laferte, “Baby” y “Sabe”, su 

aclamada colaboración con Rauw 

Alejadro, producida por Evlay, Mauro 

de Tommaso y Caleb Calloway, 

y acompañada por un video oficial 

dirigido por Gustavo Camacho. 

Nicki se prepara para presentarlo 

en el Teatro Gran Rex y gran parte 

del país, en el “Parte de mí Tour”. El 

lanzamiento de Parte de Mi fue una 

celebración donde Nicki recibió un 

galardón por haber superado los 350 

millones de streams en plataformas 

digitales, e interpretó con su banda 

en vivo el hit “Mala vida” y sus lanzamientos 

más recientes “Sabe” y 

“Baby”. Sobre el álbum, la rosarina 

dice: “Quiero que mi público se 

sienta tan Parte De Mi como yo parte 

de ellos. Somos la suma de momentos, 

personas, lugares, miradas, 

risas…todas las cosas que nos unen 

y nos hacen quienes somos. Quería 

que este álbum sea tan mío como 

del público, que se puedan sentir 

identificados con las canciones y 

las sientan tan propias como yo las 

siento. Ellos son en gran parte la razón 

por la que estoy donde estoy”. 

Coldplay 

“Music Of The Spheres” 

music of the spheres 

incluye el single 

“Higher Power”, que 

fue reproducido por 

primera vez desde la Estación Espacial 

Internacional por el astronauta 

francés Thomas Pesquet. Coldplay 

se convirtió en la primera banda 

británica en debutar en la primera 

posición del Hot 100 de Estados 

Unidos con su colaboración junto 

a BTS, “My Universe”. La canción 

acumula más de 100 millones de vistas 

en YouTube. El lanzamiento del 

álbum se produce un día después de 

que la banda anunciara una masiva 

gira mundial en estadios para 2022. 

El listado completo de shows para 

la gira Music Of The Spheres World 

Tour puede encontrarse en el sitio 

web de la banda. 

La banda también lanzó un nuevo video 

lyric para la canción central del álbum, 

“Let Somebody Go”, con letra escrita por 

Chris y la cantante invitada 

Selena Gómez. 

BILLBOARD.BO 

77


La coronación del rey 

Zeppelin 

Es cierto que hay discos que marcan un antes y un después en la historia de una banda. Y si bien para la 

época en que salió su cuarto álbum, Led Zeppelin ya era una fuerza reconocida en el mundo del rock, 

el famoso “disco sin nombre”, al que muchos llaman Led Zeppelin IV y otros Zoso - debido a uno de los 

misteriosos símbolos de su portada - le dio al cuarteto de Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones y John 

Bonham una popularidad y un prestigio ecuménico sin precedentes. 

Por Alfredo Rosso 

El cuarto álbum 

de Led Zeppelin se 

empezó a grabar en 

diciembre de 1970, en 

Londres, en los estudios 

Island pero, después de Navidad, 

los cuatro músicos se mudaron a 

la mansión de Headley Grange en 

Hampshire, donde ya habían grabado 

parte de Led Zeppelin III, y una 

vez más alquilaron el estudio móvil 

de los Rolling Stones para registrar 

las sesiones. A Jimmy Page le gustaba 

especialmente esta mansión de 

tres pisos un tanto venida a menos, 

porque era cómoda y, además, tenía 

una atmósfera especial No todos 

opinaban igual: al cantante Plant y 

al baterista Bonham el lugar les daba 

ciertos escalofríos y el técnico Andy 

Johns estaba convencido de que la 

casa estaba embrujada. Pero nadie 

podía negar que tenía una acústica 

impresionante. El álbum se completó 

en febrero de 1971, pero hubo 

problemas con la mezcla realizada en 

Los Angeles y debió re mezclarse en 

Londres, lo cual demoró la edición 

hasta fines de año. 

Led Zeppelin decidió, a propósito, 

dejar el disco sin un nombre específico 

y no poner información alguna 

en la portada.; ni nombre del grupo, 

ni títulos de temas, nada. A la gente 

de la grabadora le dio un colapso 

nervioso. ¿Acaso querían cometer 

un suicidio comercial? Led Zeppelin 

les respondió que querían apoyarse 

exclusivamente en la música. La tapa 

mostraba una pared derruida en la 

que colgaba un simple cuadro de un 

anciano llevando un hato de leña al 

hombro. Jimmy Page explicó más tarde: 

"el anciano está en armonía con la 

naturaleza. Es el Ermitaño de las cartas 

de Tarot. Un símbolo de auto-suficiencia 

y de sabiduría mística." 

Robert Plant intentó aclarar la 

cuestión de los cuatro misteriosos 

símbolos que adornan el álbum diciendo: 

"El mío tomó como modelo 

símbolos sagrados de la antigua civilización 

Mu, que existió hace 15.000 

años como parte de un continente 

perdido en el Océano Pacífico, entre 

China y México. Muchas cosas 

pueden vincularse con la civilización 

Mu, incluso las efigies de la Isla 

de Pascua.” El símbolo de John Paul 

Jones, segundo de la izquierda, viene 

del "Libro de los Signos", de Rudolf 

Koch, y se dice que representa a 

una persona hábil y confiada en sus 

fuerzas. El de John Bonham podría 

representar la Trinidad o la trilogía: 

el hombre, la mujer y el niño. El de 

Page, hasta el día de hoy está rodeado 

de misterio. Parecen cuatro letras que 

forman la palabra Zoso. Los astrólogos 

dedujeron que su símbolo sugiere 

una persona reservada, ansiosa por 

encontrar el conocimiento, la verdad 

y la sabiduría interior. 

El álbum comienza con "Black 

Dog", uno de los riffs más heavys de 

Zeppelin, pensado por John Paul Jones, 

quien también se hizo cargo del 

arreglo, mientras que Page grabó no 

menos de cuatro partes de guitarra. 

Muchos se preguntaron si el título 

fue inspirado por alguna extraña bestia 

mítica pero la explicación parece 

ser mucho más prosaica: fue bautizado 

en honor a un perro amistoso que 

daba vuelta por el estudio. 

Una introducción de John Bonham 

que se volvió clásica fue la de 

platos y redoblante que inicia "Rock 

And Roll". Fue inspirada por el tema 

de Little Richard "Keep A' Knocking", 

que Bonham empezó a tocar una tarde. 

Page se plegó a la zapada y Plant 

improvisó la letra en el momento. 

Así, el tema que había empezado 

como una broma adquirió personalidad 

propia. La parte de piano pertenece 

al llamado sexto Rolling Stone, 

Ian Stewart, que había llegado con el 

estudio móvil de los Stones para dar 

una mano con las cuestiones técnicas 

y ya que estaba, se sumó al tema. 

"The Battle of Evermore" es una 

pieza acústica inspirada en míticos 

relatos de antiguas batallas. Una noche 

en que el resto de la banda ya se 

había retirado a descansar, Page su 

puso a tocar la mandolina de John 

Paul Jones y le fue saliendo la melodía. 

Así como amaban la música 

de Incredible String Band y de Roy 

Harper, Plant y Page admiraban también 

a Fairport Convention y habían 

compartido escenario con ellos en 

1970 en el club Troubadour de Los 

Angeles. De esa amistad surgió la 

idea de invitar a la cantante de Fairport, 

Sandy Denny a cantar con Plant 

en el tema. 

Ese auténtico himno de Zeppelin,"Stairway 

to Heaven”, fue estrenado 

en vivo el 5 de marzo de 1971 en 

Belfast, Irlanda del Norte. Cuenta, en 

términos muy poéticos, la historia 

de una dama que busca el perfeccionamiento 

espiritual. Robert Plant 

siempre fue un amante de la mitología 

céltica y citó la obra de Lewis 

Spence "Las Artes Mágicas en la Gran 

Bretaña Céltica" como una fuente de 

inspiración. Con su lento crescendo 

folk, el exquisito solo de Page y 

el final a toda orquesta, "Stairway…" 

tenía todos los atributos dramáticos 

de un hit. El verdadero impacto de la 

canción, sin embargo, se sintió con 

el paso de los años, al convertirse 

en el tema más pasado por la radio 

estadounidense. 

Letras ensoñadas, con cierta onda 

hippie, adornan las estrofas de "Misty 

Mountain Hop", que abre el lado dos 

en la versión de vinilo, destacando el 

piano eléctrico de John Paul Jones. 

"Four Sticks" fue escrito por Page 

y Plant en la India, como parte de un 

viaje alrededor del mundo que realizaron 

en busca de sonidos étnicos. 

Hay una intensa labor percusiva de 

Bonham y el título alude a la cantidad 

de palillos que utilizó para castigar 

a su batería en la grabación. 

Por su parte, "Going To California” 

tiene una de las más atractivas 

melodías de Plant y se dice que fue 

influenciado por la cantautora canadiense 

Joni Mitchell, a quien tanto 

Plant como Page admiraban. Tomó 

forma durante una zapada nocturna, 

de madrugada, en Headley Grange. 

Jones y Page se sentaron alrededor 

del fuego del hogar y tocaron sus 

mandolinas mientras Plant improvisaba 

la letra. 

Tres elementos sobresalen en el 

tema que cierra el álbum,"When The 

Levee Breaks": la imponente batería 

de John Bonham, el sonido de la 

armónica de Plant y el hipnótico riff 

de guitarra de Page. Pero Bonham 

no estaba satisfecho con el sonido 

que le sacaba a su instrumento, hasta 

que Page y el técnico Andy Johns 

encontraron la solución: hicieron que 

los asistentes instalaran la batería de 

Bonham en el hall de Headley Grange, 

mientras Johns ubicaba dos micrófonos 

bien arriba del instrumento. 

El sonido fue reforzado alimentándolo 

a través de la cámara de eco de 

la guitarra y "comprimiéndolo hasta 

el hartazgo", según Johns. Así, el sonido 

ominoso de la batería le dio al 

tema ese tono monolítico de peligro 

inminente, como de un dique a punto 

de romperse. El tema original en el 

que está basado es una antigua canción 

de la cantante de blues Memphis 

Minnie y su esposo, el músico Kansas 

Joe McCoy, escrita en 1929 acerca de 

la tremenda inundación que asoló el 

Delta del Mississippi en esos tiempos. 

El cuarto álbum de Led Zeppelin 

apareció en el sello Atlantic, el 8 

de noviembre de 1971 y a la semana 

encabezó el chart del Reino Unido. 

En Estados Unidos tuvo un éxito 

espectacular pero, curiosamente, no 

llegó al tope del ranking, deteniéndose 

en el puesto 2. El disco llevó a Led 

Zeppelin a un nivel de popularidad 

sin precedentes en la historia de la 

banda, y lleva vendidos hasta el momento 

unos 40 millones de ejemplares 

en todo el mundo. 

BILLBOARD.BO 

79

INFORMACIÓN DE LA SEMANA 20.11.2021 

Key Glok 

Yellow Tape 2 

El rapero ha producido su álbum más 

exitoso en el chart hasta el momento 

(y su tercer top 10), ya que su último 

lanzamiento lleva 36.000 unidades 

vendidas de álbumes equivalentes en 

los Estados Unidos en la semana que 

terminó el 11 de noviembre, según 

MRC Data. 

POST MALONE FOTO: MATT WINKELMEYER/GETTY IMAGES 

Luke Combs 

What You See Is What You Get 

Dos años después de su lanzamiento, 

el 8 de noviembre de 2019, el álbum 

suma 3.5 millones de unidades de 

álbumes equivalentes, alcanzó el 

número 1 dos veces y aún no ha salido 

del top 25. 

Chris Stapleton 

Starting Over 

El álbum (17.000 unidades; un aumento 

del 29%) se suma de nuevo en el chart 

en su posición más alta desde el chart 

del 13 de febrero (también No. 33). 

Esto sucede luego del premio al álbum 

del año que recibió por parte de la 

Asociación de Música Country. 

La leyenda del pop obtiene su álbum con 

más alta posición en las listas de éxitos en 

el Billboard 200 y el primer top 10, es que 

“Voyage” debuta en el N° 2. El registro se 

lanzó el 5 de noviembre y es el primer álbum 

de estudio del cuarteto desde The Visitors 

de 1981. Voyage comenzó con 82.000 

unidades de álbumes equivalentes vendidas 

en los Estados Unidos en la semana que 

terminó el 11 de noviembre, según MRC 

Data. De esa suma, 78.000 corresponden a 

la ventas de álbumes, la semana de ventas 

más importante para un grupo en 2021. A su 

vez, Voyage es el álbum más vendido de la 

semana y llega al número 1 en las listas de 

álbumes de ventas principales y álbumes de 

vinilo con 17.000 copias vendidas. 

Hasta la llegada de Voyage, el álbum con 

mayor ranking de ABBA en el Billboard 200 era The Album de 1978, que 

alcanzó el puesto 14 en la lista del 22 de julio de 1978. 

—KEITH CAULFIELD 

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POST MALONE FOTO: MATT WINKELMEYER/GETTY IMAGES 

dos canciones saltan al top 10 de 

Billboard Global 200, una de ellas 

liderada por Post Malone (arriba) 

y su primera colaboración con The 

Weeknd, “One Right Now”. El sencillo 

comienza en el número 9 con 37.8 

millones de reproducciones y 16.700 

descargas vendidas en todo el mundo 

en la semana que finalizó el 11 de noviembre, según MRC Data, tras su 

lanzamiento el 5 de noviembre. Post Malone obtiene su primer éxito en 

el Top 10 de Global 200 y The Weeknd agrega su sexto. 

Por su parte, el “Escape Plan” de Travis Scott debuta en el número 

10 con 39,2 millones de reproducciones y 9.400 vendidas en todo el 

mundo, lo que marca su tercera entrada en el top 10 en la lista. Lanzó 

la pista el 5 de noviembre, justo antes de la noche de apertura de su 

festival Astroworld en Houston, que terminó en tragedia después de que 

las oleadas de multitudes resultaron en 10 muertes y cientos de heridos. 

Mientras tanto, por segunda vez, y segunda semana consecutiva, desde 

el lanzamiento del Global 200, los cinco primeros de la lista incluyen 

exclusivamente artistas de fuera de los Estados Unidos. Los países de 

origen de los actos: Inglaterra (Adele, Ed Sheeran, Elton John y Dua 

Lipa), Australia (The Kid LAROI), Canadá (Justin Bieber) y Nigeria (CKay). 

“La belleza de la música británica a lo largo de los años es que ha 

abarcado muchos géneros”, dice Martin Talbot, director ejecutivo de 

Official Charts Company, con sede en Londres, sobre el éxito de los 

artistas británicos en los tramos superiores de la lista. “La naturaleza 

multicultural de nuestra sociedad, con la inmigración de tantas partes 

del mundo, incluido el Caribe, el Lejano Oriente, el norte, este y el sur 

de Europa, África e incluso Irlanda, siempre ha contribuido a alimentar la 

gran riqueza de nuestra cultura y nuestra música.” —GARY TRUST 

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Billboard Bolivia Noviembre 2021

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